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Descanza en paz, Jesús Franco

April 2, 2013, 8:59 am
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Hoy es un día triste, para el mundo del cine, pero aquí solo puedo hablar por mi. No me acuerdo hace cuantos años vi Jackie Brown de Tarantino. Aunque el internet no era tan poderoso como hoy, alguna información había disponible en línea sobre el soundtrack del film. En especial sobre un track que consideré particularmente interesante. The Lion and the Cucumber por un grupo llamado The Vampire Sound Incorporated. Como es usual en las bandas sonoras de Quentin, no se trataba de una pista original. Venia de otro lugar. Un record alemán de 1969 llamado Psychedelic Dance Party. Una imagen de entrada ya emocionante. Quizá por si solo el disco no tendría nada de interesante, pero algún hombre español en sus cuarenta, fanático del jazz, probablemente después de comprar el albúm en alguna misteriosa tienda de discos, decidió usar ese LP como banda sonora para su siguiente película, un tesoro de 1971 conocido como Vampyros Lesbos.

El nombre del director me sonaba alguna campana. Jesús Franco, Jess Franco, ¿Donde lo he escuchado o visto antes?. En algún momento volví a popear mi DVD de Pulp Fiction (durante un par de años fue un ritual mensual verla al menos una vez cada 30 días). En la pista de comentario con Tarantino, éste hace referencia a un film de 1969 llamado Venus in Furs. Dirigido por Jess Franco.

Entonces emprendí esa misión de ver y adquirir todas las movies de Franco que pudiera. Siempre cito a Tarantino como mi director favorito pero no por que él sea responsable de todo. Sino porque él me presentó a Jesús, quién a su vez me condujo hasta Jean Rollin, quienes a su vez me provocaron enamorarme de toda una década de cine bizarro, demencial, fantástico, erótico y vampírico.

Sus películas tocaron una fibra tan personal y emocionante, que me hicieron sentir que estaba bien tomar una video-cámara y disparar. Contar las mismas historias que contaba Hollywood, pero nunca apagar esa voz individual. Franco era un artista pero también una maquina de hacer cine imparable.

En el 2007 hice mi primer cortometraje en la vida llamado El Mundo es un Vampiro. En aquel entonces todavía soñaba con ser director de cine como mis ídolos. En el video debajo están los primeros seis minutos y como en el minuto 3:40 utilicé un track que los fans de Jess Franco podrán identificar de inmediato. The Message por The Vampire Sound Inc., también del soundtrack de Vampyros Lesbos. En mi búsqueda por un estilo personal, lo primero fue convertirme en un copión.


El Mundo es un Vampiro (6 minutos) from Brijandez on Vimeo.

Cosas pasaron, me volví el aliado #1 de las aventuras cinematográficas de un compañero llamado Julio Pillado. Hasta el 2010 decidí grabar mi segundo corto que, curiosamente apenas estrené el pasado fin de semana (29 de marzo). Donde duermen las orugas. ¿Por que tardé tanto en grabarlo y estrenarlo? Pudieron ser muchas cosas pero ese deseo de convertirme en director de cine se desvaneció. Entré a la universidad a estudiar Comunicación y de pronto empecé a encontrar mi lugar en los medios. Radio, televisión, internet. Como admirador de las imágenes en movimiento nunca he parado pero ¿como realizador? probablemente no.

Hasta hoy.

Dos cosas han sucedido en los últimos tres meses. Me he vuelto a enamorar de la magia detrás del cine. De los realizadores de mi ciudad que conozco y ese impetú con el que trabajan. La proyección del viernes, y lo emocionante que es regalarle a la gente ideas que no pudieron haber salido de ningún otro lado más que de tu cabeza. Eso es lo que quiero ahora. Eso fue lo que me enseño Jesús Franco.

Jean Rollin falleció en diciembre del 2010 y ya no me quedan héroes. El tiempo y la tecnología lo han cambiado todo. Quiero retomar ese camino que alguna vez dejé. Uno no puede sacarse gustos ni intereses de un sombrero. La tristeza que no me ha dejado dormir el día de hoy ni siquiera creo tiene que ver tanto con la despedida de un master, sino con las cosas que dejé guardadas. Me estuve engañando por los últimos 5 años. Si, si quiero hacer movies.

Por siempre leyenda, Jesús Franco.

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¿Cuál es el trato con Evil Dead?

April 7, 2013, 11:52 pm
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El año pasado veía Men in Black 3 en el cine y no estaba disfrutandola tanto. Tenia unos bits interesantes aquí y allá pero no más. A unas cuantas butacas de mi, había un grupo de niños con sus familias supongo. Usualmente no soy fan de niños en mi sala porque suelen ser una fuerza natural difícil de contener. Por ejemplo cuando vi Ted, no había una función más inapropiada para ellos y ahí estaban. O quizá estoy siendo muy doñita. El punto es que durante el resto del screening de Hombres de Negro, esos niños estaban risa y risa. Gritando. Pero no en modus operandi de escándalo. Realmente estaban interactuando con el film. Reaccionaban durante los gags que los productores planearon. Entonces durante el resto del film aprendí a apreciar la película no como un adulto mamón sino a través de los ojos de un niño. Y no es la mejor movie del mundo (se me ocurre otra que sí) pero es un ejemplo reciente donde he tenido un cambio de corazón a medio espectáculo.



Las películas, más veces que siempre, sobre todo las que nos llegan hasta el cineplex, suelen tener una audiencia en la mira. Las que vienen desde el arthouse o el subterráneo independiente es mas usual que se permitan fluctuar entre géneros, estilos, materias y demás. Su poder radica en que serán glorificadas (o no) por un público selecto y, por lo mismo, apelando a ese pequeño común denominador se etiquetan como obras más cerebrales y/o se vuelven de culto. No con el mainstream. Lo podemos entender desde las clasificaciones de la A a la C y la Z. Hay cine pensado para las diferentes edades del ser humano y a veces también queda implícito en sus géneros el interés por atraer a machos o a hembras. La historia define el cine de acción para unos y la comedia romántica para otras.

En ese aspecto, el cine de horror anda por una vereda afortunada por que me atrevo a decir atrae a ambos damos y caballeras. La sala donde vi el remake de Evil Dead la semana pasada no estaba llena (probablemente por el horario) pero la mayoría de los asientos ocupados eran parejas. Lo sé por que soy un voyeur y me gusta ver con quien estoy compartiendo aire. Gran parte de la proyección no era difícil notar como unas chicas se retorcían en sus asientos y se aferraban al brazo de sus chicos. Gritos, suspiros, repulsión. Todo eso podía percibirse en la energía. Evil Dead es una película clasificación C que no se detiene por nadie. Hay la más sangre y gore que recuerdo haber visto en una sala comercial en no se cuantos años. En la última etapa del film es imposible señalar un color en pantalla que no sea rojo o negro. Otra vez, para el mamón de mi, el splatter no es algo sobrenatural o sin precedentes, en su mayoría lo encuentro entretenido y risible. Pero teniendo la oportunidad de quizá verlo a través de una audiencia que visita un teatro donde films con este contenido gráfico son casi nulos o inexistentes, el poder de la imagen se encarama a tu piel. Pero no más. Y es ahí donde mi conflicto asciende.

Evil Dead es una re-imaginación (¿o secuela? ¿por que está este objeto en el background?) de una pequeña película de 1981 llamada The Evil Dead. Una que vino desde esa independencia de la cual surge la mayoría del cine exploitation. Entretener más con menos. Menos talento, menos presupuesto. Ni si quiera fue notada en su país de origen hasta que tuvo considerable éxito en Europa. The Evil Dead es el ejemplo de cine de culto que se volvió mainstream por que gente la disfruta. Es dinámica, frenética, ridícula pero tenebrosa. En un momento donde el protagonista del cine de horror era solo un sobreviviente, Ash J. Williams se graduó a héroe de acción. Supera la prueba del tiempo no por su calidad sino por la energía que Sam Raimi le imprime. Pasión sin mesura y nunca pensando en la censura. Vamos, incluso vemos a un árbol violar a una chica. Esas imágenes se quedan en tu cerebro. De todo el lote de films que componen la transición de 70's a 80's, The Evil Dead se mantiene en el mismo pedestal que ha sostenido con mejor suerte a The Shining de Stanley Kubrick.

La cosa es que Raimi nunca planeó hacer un pieza de culto. Si, hizo lo que pudo con las circunstancias, pero el mismo hombre que eventualmente realizó una épica trilogía de Spiderman y Oz, The Great and Powerful, nos pone a pensar en sus metas y deseos como director. En entrevistas sobre la nueva Evil Deadél se nota convaleciente del síndrome George Lucas. The Evil Dead podrá ser el tesoro que sea para una sección de cinéfilos pero el creador considera que aún hay espacio para mejoras. Y como rey supremo de su franquicia, es libre de hacer lo que le plazca, supongo. Así es como nace otra vez Evil Dead en el 2013, 32 años después.

¿Que ha pasado desde entonces? El cine de horror, como el de cualquier otro género, tiene que sorprendernos cada vez mas, tanto con complejidad u originalidad. Por eso extrañas películas de sensibilidad europea como Martyrs o la deconstrucción de mitos que hace The Cabin in The Woods pueden ser alabadas como maravillas modernas. Y a lo mejor es mucho pedir, y entonces tenemos antologías como V/H/S o The ABC's of Death, donde en la compilación misma radica el poder, hablándole a la audiencia perfecta en el tiempo y días del internet. O quizá eso es mucho pedir todavía y por eso empiezan a salir re-imaginaciones de películas que originalmente cumplían con los requisitos descritos arriba. Halloween, Texas Chainsaw Massacre, Dawn of the Dead, Fright Night, etcétera. Si entendemos el cine-entretenimiento como ese producto audiovisual que debe arrastrar traseros a las butacas, entonces la conocida hasta el cansancio fórmula de 5 amigos que visitan una cabaña en el bosque debe realmente llevar ese storyline a otro lado. Evil Dead hace nada.



Otra vez, mi opinión no es regla y la saga Paranormal Activity, tan seca de creatividad como es, sigue siendo éxito de taquilla. De los factores más importantes en la magia del cine está la suerte y el famoso "estar en el lugar y momento indicado". Uno no puede predecir, como en The Evil Dead original, qué va a ser eventualmente considerado como ejemplo. Evil Dead 2013 pretende situarnos en un contexto moderno pero sigue homenajeando, o intentando homenajear, una película de 1981. Hay un montón de shots reminiscentes a la fuente. Incluso el árbol violador. He's back, más o menos. Estos servicios al fan son peligrosos por que entonces empiezas a confundir al publico de tu película. Como pasó con Total Recall en el 2012. Creo que la película fue buena, entretenida nomás, sobre todo por que intentó despegarse lo más posible de su origen. Y curiosamente, la presencia más fuera de lugar es la de la mutante de las tres tetas. En el nuevo universo de Total Recall todo sucedía en la Tierra (no en Marte como la de 1990) no había necesidad para ese guiño al fan excepto para ser un guiño al fan. Fans, que por cierto, probablemente odiaron la idea del remake y la movie en conjunto por consecuencia.

Una de las excusas mas comunes de los productores para justificar los remakes es la de "traer a nuevas audiencias historias clásicas". En el poquito sentido que eso hace, en lugar de traer "nuevas historias a nuevas audiencias", creo que lo entiendo. Como esa otra moda de re-narrar cuentos de hadas o adaptar historietas. El día que olvidemos que el cine es un negocio ante todo nosotros sólitos nos estaremos colocando la venda. Y no, eso no significa que se debe perder la voz de un autor, por que al final, las películas son proyectos encabezados por un artista, bueno o malo, eso es lo que termina transmitiéndose desde la pantalla. Sigo confundido en esta nueva versión donde está la personalidad de Fede Álvarez, el director, o si se sintió comprometido con todo un sector de gente. Evil Dead 2013 es interesante suficiente, como lo he mencionado en párrafos anteriores, para sobre-salir como única y transgresora, quizá NO para el cine de género a través de las eras, pero si para el standard acaramelado que Hollywood nos tiene acostumbrados en el momento. Como decía, se replican shots iconícos e inconfundibles como la cámara etérea, el punto de vista de la maldad entre los arboles pero se mantiene bastantes rayitas debajo del nivel onírico y surreal de la primera. Todo lo contrario, incluso nos arroja una premisa de oro relacionada con drogas y la infinita posibilidad de psícodelia pero la movie decide tomarse en serio como folleto de rehabilitación.

Entonces, ¿Odié o amé Evil Dead? Ninguna, estoy en un punto medio. Cuando uno mismo dialoga con su cerebro a veces puede sorprenderse con posturas que no entiende. Regularmente no suelo usar las películas originales como argumento en contra de los remakes. Cada película es una bestia aparte. En este caso me ha costado trabajo separar. Jamas esperé que fuera igual o mejor, tan solo diferente y creo que ahí se pierde. Pero, de nuevo, la película es rápida, entretenida y ultra-violenta, así que ¿que hay que odiar?. Vuelvo a pensar en esas personas con las que compartí la sala. Y como exhalaban un tenso "No, no, no, no..." ante la incredulidad pero anticipación pre-orgasmica de que un personaje se fuera a rebanar como queso una de sus extremidades. Y luego la lluvia de sangre.

Esa podría ser la fuerza del cine. Que se yo de movies, la neta.

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No estoy seguro si me gustan tus películas o no

April 19, 2013, 7:11 am
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Mas seguido de lo normal me encuentro ante situaciones donde tengo que mentirle en la cara a gente sobre si me han gustado o no sus películas, cortos, videos, etcétera. Para los que no saben, hago un cine club semanal y de mes en cuando programo selecciones audiovisuales de gente que labora en la ciudad. Y aunque no hiciera eso, de todos modos me gusta ver lo que se está filmando. Propuestas novedosas o refritos. Presupuestos medianos, nunca altos, moderados, bajos, insipientes y pobres. Creativos o formulistas. Dramáticos, documentarios o experimentales. De todo lo que puedas imaginar en esos parámetros alguien lo está haciendo o si no, alguien lo hará pronto.

Y es fácil cuando te gusta algo por que siempre es mas sencillo darle complementos a la chica hermosa, ¿pero a la gorda?. Hay que darle vueltas elogiando la ropa, la combinación de color, su sentido del humor, sus habilidades de cocina, incluso su desempeño sexual en aquella noche que ambos estuvieron demasiado borrachos, no tanto para olvidar pero lo suficiente para disfrutarlo. ¿Por que no ser directo y gritarle en su cara: ¡No, no me gustas!?

Quizá por que me importan demasiado los sentimientos de las personas. He mencionado varias veces en este blog que a pesar de que me gusta criticar movies no me considero un crítico mas que un opinador. Opino por que tengo un cerebro, manos y una boca. Pero no quiero ser el anoide que le diga en su cara a alguien, no a través de la cobardía del texto o el video, si no frente a frente, hey tu movie no me gustó. Simplemente no puedo. A veces preguntan, a veces no. Cuando es la última se puede exhalar libremente solo chocando palmas y diciendo "buen trabajo", pero cuando es la primera hay ese silencio prolongado donde las ideas hacen buffering tratando de sintonizar una contestación decente. Además, ¿que especie de chimpancé soy yo para abatir la energía, trabajo y potencia de cada ser humano?

Me gustan ciertas cosas, como a todos: los tacos, el internet, el baseball, Vanessa Hudgens, el ruidosón, ese primer segundo donde te pega el LSD y sientes que puedes inflar una llanta con el puro aliento; pero también hay un montón de cosas que no me entran. Eso no significa que son malas o que se yo. Es mi opinión y en puntos de vista acerca del arte y sus artesanías no existe una verdad absoluta. Probablemente hay toda otra sección de gente a la que si le gustan sus cosas, utilizan distintos métodos de evaluación y criterios o tambien son una pila de mentirosos como yo. Apuesto por la última.

Estamos acostumbrados desde que alguien nos cambiaba el pañal a ver movies. Movies decentes que por alguna fortuna o talento se merecían ser transmitidas en la televisión, proyectadas en salas de cine, registradas en cintas magnéticas para vender al consumidor. Claro, existe el cinema de contemplación, marginal o experimental pero creo ese no te exige una declaración inmediata sino una absorción intelectual. Eso ya es una historia aparte, mas de la mitad de los realizadores que conozco aspiran a lo primero pero sus películas carecen de presupuesto, actores convincentes, argumentos naturales, y más importante: drama y dirección. La mise-en-scène probablemente es lo único que puedo perdonar por que creo que el montaje (de montar, no la edición) es una habilidad, un arte si se quiere, que se domina con asistencia, práctica y tiempo. Entonces, ¿como podemos comparar el cine industrial con el alfiletero que apenas sostiene un montón de micro-propuestas nacidas de la pasión o pretensión?

Talvez son las historias que contamos, altas o bajas, el cine es el arte del hazme-creer y muchas veces logramos que nos crean nada. Trato de ser honesto con la mayoría de la vida pero en este caso particular no puedo. ¿por que? Es un oficio que amo demasiado quizá y existe esa extraña costumbre humana de mentir más respecto a las cosas que queremos. Por eso les ocultamos cosas a las parejas, tan arbitrarias o lelas como puedan ser, flota en el ambiente la idea que mentir siempre será mejor que admitir una posible verdad hiriente. Si no te gustan mis respuestas no me hagas preguntas tenebrosas, decía Samuel L. Jackson en Pulp Fiction. ¿Es más culpable el que pregunta o el que contesta o el que se queda callado?

Y de cualquier manera, un fracaso visto desde el kaleidoscopio también puede ser un ensayo. Nunca nos haremos mejores a menos que tratemos. Hay un montón de losers que nunca tratan.
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Oblivion Has Fallen

April 26, 2013, 12:22 pm
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No escribo de TODAS las movies que veo por que unas me inspiran mas que otras. De TODAS tengo opinión, seguro, pero pocas me avientan ideas para textos. Por ejemplo: Stoker de Park Chan-Wook, considero que es la mejor película que he visto en el cine en lo que va del 2013 (Perdónenme, Django y Oz) y aún así no logro poner en palabras razones. Puedo describirla, diciendo que es cincuenta por ciento telenovelera, melodramática o ridícula y el otro cincuenta un hermoso ejemplo de estilo, dirección y puesta en pantalla. Un clash de culturas, entre un espíritu oriental y un cuerpo de occidente. En su estructura enigmática y no lineal hay una magia similar a la que incluso tuvo el Tarantino en su era pre-comic book, y no por nada Quentin cita Oldboy (del mismo Park, circa 2003) como una de sus movies favoritas.

En todas mis publicaciones uso alguna versión de la palabra magia al menos una vez. ¿La razón? Realmente no puedo explicar por qué me gustan las cosas que me terminan gustando y me resulta mas sencillo atribuírselo a lo sobrenatural. La evidencia más concreta que puedo señalar es cuando pasan días o semanas y la película no abandona mi cabeza. Incluso cuando veo otras cosas, bajo la influencia del mismo cine, bajo el mismo proyector. No puedo dejar de pensar en Stoker, así como en su mes no pude dejar de pensar en la adorable Oz, The Great and Powerful o la gloriosa Life of Pi.

Entonces pretendo venderles esta maravilla conocida como Stoker pero mi mente sigue pensando en dos monstruosidades llamadas Oblivion y Olympus Has Fallen. No son para nada originales, compuestas de brazos y piernas que ya hemos visto un monton antes. Y en defensa de la originalidad, Stoker tampoco es el hilo negro, pero en un solo cuadro del film de Park hay mas personalidad que en cualquiera de las cuatro horas que suman "Oblivion Has Fallen".



Que quede claro no estoy odiando esos dos films, de hecho creo que son entretenidos y justifican pagar el boleto. O quizá es un ya que, ya la vi y no puedo voltear la hoja. Oblivion como aventura espacial es bonita, sobre todo en la proyección digital que tuve chance de ver. (Si van a verla, vayan digital) Los paisajes son operáticos y es de un ritmo más apacible de lo que cualquier trailer moderno nos podría hacer creer. Tom Cruise sale de Tom Cruise y ya depende si ustedes son de los que lo aman o lo odian.

[Aquí empieza mi apartado donde defiendo a Tom Cruise: Si, es un actor espada de doble filo para cierto porcentaje de la audiencia pero en lo personal creo que el campeón no hace shitty movies. Magnolia, Eyes Wide Shut, Minority Report, War of the Worlds, Collateral, la saga Mission Impossible (las buenas al menos) y recientemente Jack Reacher. El dude tendrá algunos fails en su oeuvre pero mayormente ha trabajado con al menos directores interesantes. Comparte ese Nicolas-Cage-estado-de-celebridad donde se vuelve difícil separar al hombre del personaje.]

Cruise hace dúo con una pelirroja que salio de no se donde, trío con Olga Kurylenko, esa cute ucraniana que nadie había visto desde Quantum of Solace, y cuarteto con el protagonista del 30% de los memes en internet, amo y señor Morgan Freeman. Las chicas solo están para excusar un romance cheesy y enviar un discurso confuso acerca del matrimonio y los triángulos amorosos. Freeman es el rebelde que conoce la profecía, de esos que te ofrecen tomar decisiones entre la píldora azul o la píldora roja.

Otra vez, Oblivion es lenta, la primer hora es pura exploración espacial más similar a lo que hizo el año pasado Prometheus sobre, no se, la desmadroza Total Recall. Es más, tiene en común al film de Ridley Scott esa vibra a las odiseas espaciales de antaño por encima de un display de acción desenfrenada. Hasta las secuencias de lasers y maniobras no son tan abrumantes. Como decia, no es original (tampoco tiene que serlo, anyway) pero hay un misterio que permea, te absorbe o te enfada. Olympus Has Fallen por el contrario, es una patada salvaje en la cara llena de explosiones y sangre. Gerard Butler debe salvar al Presidente de la nación mas importante del mundo de las garras Norcoreanas que han secuestrado por la fuerza la Casa Blanca. Y por fuerza me refiero han masacrado a TODO ser humano, civil, militar o servicio secreto, excepto al héroe de acción Butler. Entonces presenciamos el retozo brutal de un solo hombre contra un frío ejercito de asesinos que no tienen miedo a morir en su misión para conquistar.



Ver Olympus después me ayudó a poner en perspectiva Oblivion. Y no por que en ambas aparezca Morgan Freeman, una de lider steampunk y en la otra vocero presidencial, sino porque, cada cual en su género, son claros ejemplos del exploitation moderno (idea que he querido aclarar en texto desde hace tiempo pero no he conocido a la musa). Olympus Has Fallen, en su montaje, la manera en que está editada, no se decide si es por completo una trepidante aventura de acción o un triunfo de la voluntad Norteamericana. En una secuencia vemos a Gerard Butler clavar cuchillos en gargantas de villanos y en la que sigue vemos al secuestrado Presidente dando un discurso patriota, claro, mientras una bandera de EUA ondea en llamas. Oblivion también quiere ser esta película poderosa que nos habla sobre el origen de las ideas, el amor y lo que significa ser humanidad, al mismo tiempo que pide prestados plot points a todos los tropos del sci-fi hecho en los últimos treinta años. Termina siendo una opereta espacial de domingo. Olympus de la misma manera abraza a los clichés con tanto cariño y compromiso que nunca pude descifrar si el realizador (Antoine Fuqua, Trainig Day, King Arthur) se burlaba del ideal norteamericano todo el tiempo o si realmente pretende recapacitar a toda una nación vía el poder de una película. Como esos falsos mondo films con moraleja.

Yo no se como experimenta cada individuo la visión de un film. Nosotros los críticos u opinadores naturalmente hemos visto un montón de cosas pero creo hay un sector de la sociedad que probablemente apenas está entrando. Me imagino al adolescente que va al cine solo, o con sus amigos, y que paga por primera vez un boleto de su bolsa y decide entrar a ver Oblivion. No tiene idea de la ciencia ficción que le precede, el único cine que le importa es el que se ha estrenado desde que tiene consciencia. Asumiendo que no se queda dormido durante la primera mitad, si concibo un universo paralelo donde Oblivion puede ser la película que detona ideas y pasiones en un entusiasta. O con Stoker. O con Cloud Atlas. O Cabin in the Woods.

O quizá tantos gatos en internet nos han vuelto cínicos e insensibles a cosas.
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Mi película favorita de Abril fue...

May 5, 2013, 3:49 pm
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Es tiempo de continuar la sección en el blog donde a finales de cada mes, o principios del siguiente, les voy a contar cual fue mi película favorita vista en cines de la ciudad (Checa la de enero, febrero y marzo). No cuentan Netflix, ni DVDs, ni piratas. Solo cineplexes comerciales o quizá de vez en cuando, en la Cineteca Tijuana.

Hay que aclarar que estos posts no son únicamente pérdida de tiempo, sino también un ejercicio para ayudarme a definir cuando haga mi top 10 del año.

Y mi película favorita de abril 2013 fue:


STOKER

Stoker me pareció maravillosa. No he hablado de ella mucho aquí por que apenas estoy trabajando en eso (intentando hacerle un apareamiento conceptual con la nueva Trance de Danny Boyle). La comenté muy por encimita en el párrafo inicial de mi texto sobre Oblivion y Olympus Has Fallen.



SEGUNDO LUGAR QUE NO PODÍA IGNORAR:
MOONRISE KINGDOM

Ya sé que estrenó hace 17 años pero en mi querida ciudad metrópolis se proyectó con una semana o dos de separación apenas en el mes de abril, tanto en Cinepolis así como en la Cineteca. Tuvimos entonces casi 15 días para ver la última película de Wes Anderson. Yo soy fan pero no solo considero que Anderson hace cosas para una audiencia selecta, sino que sufre del sindrome Tim Burton donde cada film se parece tanto al anterior que, eventualmente si, son solo fans los que terminan pagando entrada. En mi sala habia un grupo de señoritas vestidas en uniformes de girl scout. Para mi Life Aquatic es la movie mas bella del director pero creo que Moonrise Kingdom le dio una corrida por su dinero. El eterno drama del joven amor imposible. Romántica, incomoda y pop, quizá el cine de Wes Anderson ya no parezca tan original, pero films como los de él tampoco se ven diario.

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Titanes del Blockbuster

July 16, 2013, 1:38 pm
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Un producto, según algunos diccionarios, es un bien o un servicio diseñado para satisfacer las necesidades, reales o inventadas, de un mercado. Usualmente son cosas que simios estamos dispuestos a intercambiar por dinero para sentir que estamos un poquito más completos. Porque ir a las movies es una experiencia que se vende, pagamos por sentarnos en esa sala fresca y penumbrosa, me es difícil por momentos hacer del cine más que eso. Ya hay debates más interesantes en el mundo sobre arte y comercio. Hay audiencias y cinéfilos que la hacen de Jaegers y Kaijus para defender su postura sobre el cinema. La naturaleza de cada espécimen hace complejo decidir cuál es el bueno.

Las experiencias no tienen precio, se puede argumentar. Podrás pagar un ticket, un DVD o una suscripción a Netflix, pero la simbiosis temporal de la fantasía-cerebro, a un nivel romántico o emocional, no tiene precio. Los sentimientos que nos forjan. Cuando se vuelven referencias culturales o citamos diálogos y ejemplos. Cuando pasa el tiempo y la historia les da su lugar en una capsula de viaje permanente, herencia para próximas generaciones.

Sería ingenuo, por no decir idiota, de mi parte limitar a las movies como un producto cualquiera. Son un servicio con trascendencia inimaginable. Pero, también sería idiota, no aceptar que en algún momento debe darse un intercambio de dinero (hasta los piratas, debemos pagar mínimo al proveedor de internet) por la experiencia cinematográfica.

Hollywood, el sufridor de todas las quejas y ganador de todos aplausos, entiende eso. O no Hollywood, eso es solo un pedacito de tierra, pero sí sus marketeros y mercadólogos. En mi micro-reseña de Battleship hacía alusión a la razón de por qué compramos los productos de las marcas que compramos. Una Coca-Cola siempre es la misma, no importa la ciudad, el idioma y dentro de ciertas épocas, me atrevería a decir el año. Unos tenis Nike o Adidas. Son productos en serie diseñados para satisfacer al fan. Estas pagando por una lata de aluminio y liquido negro, pero es la experiencia Coca-Cola, la que te mantiene apegado (otros dicen que son los trazos de drogas, pero hey ¿quién sabe?).



Hollywood es la marca definitiva para batir productos hacia nuestras salas. Lo extraño, a diferencia de los demás, es que ellos nos hacen pagar por la anticipación, no el resultado. Vamos a la movie de Superman o Star Trek por la anticipación de ver a nuestros personajes favoritos en una aventura nueva, no por el contenido que hasta donde sabemos, es una moneda lanzada al aire. ¿Por qué la mayoría de los blockbusters modernos son obras adaptadas de propiedades populares y con base de fans pre-establecida? Porque menos espacio para fallar, significa más dinero en el bolsillo de alguien. El cine original, el cinema de arte, los independientes. Ellos venden resultado final, pero no anticipación. No se compara el sector de gente que espera con ganas La Danza de la Realidad sobre la gente que espera The Hunger Games 2: Catching Fire. Hollywood y sus blockbusters son una hélice de dinero que nos sacude como tornado eterno. Crece. Se auto-produce y se auto-promueve. Se auto-vende y se auto-sigue-produciendo. Una espiral de consumo.

Debo empezar aclarando que amé Pacific Rim por lo tanto mi opinión esta manchada de fanatismo. Hay dos particulares situaciones que me molestan respecto a la respuesta que los Titanes del Pácifico están recibiendo entre las audiencias. Una de ellas tiene que ver con la originalidad.

No solo en el caso de Pacific Rim, cuando la falta de originalidad se usa como argumento para demeritar a una película, considero es uno de los más idiotas que existen. De entrada, habría que armar todo un debate sobre qué es original y que no en el siglo XXI y no hay tiempo ni tengo la capacidad para eso, pero es terreno seguro decir que difícilmente, tanto tus películas favoritas, así como las mías, nacieron de conceptos completamente originales. Entonces todo se reduce a los recursos creativos del guionista en cuestión y claro, el director. Cuesta dinero hacer una película, así sea micro-budget o millones de billones. Mas alta sea la inversión, más riesgo corre el inversionista. Es obvio de muchas maneras que apostarle dinero a algo “original” es una vía segura para tirarlo a la basura.



En el Hollywood de hoy, hacen falta pelotas para NO hacer un blockbuster adaptado de una novela, un comic, un TV-show o perpetuar una franquicia. Pacific Rim es una deliciosa malteada dentro de una licuadora de ideas. Sigue siendo una propuesta que no se parece a nada hecho antes y al mismo tiempo se parece a un montón de cosas familiares. Robots contra monstruos. El bien contra el mal. El sheriff contra el bandido.

Es la experiencia Coca-Cola toda de nuevo. Si quieres mi dinero debes hacerme sentir seguro, familiar y, sobre todo, que me harás pasar un momento calidad.

Y es por eso mismo que en EUA la secuela de Despicable Me y Grown Ups aplastaron en taquilla al film de Guillermo del Toro. Los verdaderos Titanes del Blockbuster. La familiaridad se antepone a esa extraña película cuyo título suena más a documental del Discovery Channel.

Las medidas del comercio y las medidas del arte se evalúan con distintas reglas. ¿Quién recuerda ese tesoro perdido del 2012 llamado Dredd? (basado en un comic, para variar) A Pacific Rim le aguarda la misma suerte. Joyas que vivirán en el culto por que nadie encontró espacio para ellas en ningún otro lado.



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El rastro del Navajazo

September 21, 2013, 11:56 am
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En esta ocasión voy a aprovechar las observaciones e interpretaciones de dos camaradas; José Paredes, movie-maker, desde su blog el CeroBudget y Cuauhtémoc Ruelas, ex-compañero de podcast y critico/escritor en el Tijuaneo; no para debatirles ni hacerles un crap in the stick, sino porque los quiero y también porque amo (me declaro #1 fan) el trabajo de Ricardo Silva. Las obras de Silva son difíciles de encasillar o definir, al menos para mí, y con lo que inmediatamente podría significar disgusto sucede todo lo contrario. Es en esa confusión que encuentro la apreciación.

Por dos cosas usaré las palabras de otros para ayudarme, la primera, no he escrito nada nuevo en este blog por el último mes o dos. Creo que ando pasando por uno de esos bloqueos mentales donde me he enfocado más a escribir cosas técnicas que creativas. Y la segunda, porque es solo a través de las observaciones de otros donde puedo intentar discernir la raiz que soporta a las movies de Ricardo.

José Paredes: Esta no es tanto una crítica de "Navajazo", la opera prima de Ricardo Silva, sino una reacción ante lo que vi. Yo creo que es irrelativo si es buena o mala ya que es difícil asignarle una calificación a un proyecto como este. Determinar si un proyecto es bueno o malo depende mucho de las intenciones del cineasta que lo hizo.

Cuauhtémoc Ruelas: Dentro del cine han existido películas buenas, otras malas, algunas que son tan malas que resultan ser buenas, pero también y más lejos de todo esto están las películas “extrañas” cuyo interés no es complacer al público[...]A fin de cuentas no importa tanto su calidad subjetiva, sino su capacidad para “conectar” con el espectador.

Tanto Paredes y Ruelas abren el primer parrafo de sus textos con una justificación, no se si para ellos mismos o para el cineasta, pero queda claro que no están (estamos) inmediatamente conscientes si Navajazo fue una película buena o mala, es más, casi casi se le está liberando de esas evaluaciones austeras. Ya he hablado en este blog sobre las cosas que hacen buenas o malas a una película. En textos específicos o comentarios regados aquí y allá. La crítica o el comentario cinematográfico está plagado de aprobaciones y rechazos, sin mucho espacio a interpretaciones emocionales. ¿Acaso Silva nos esta comprometiendo a eso?.

Si bien José y Cuauhtemoc concuerdan que la película cuenta la(s) historia(s) de un puñado de personajes marginales (o de la calle) y otros no tanto, ambos cuestionan los objetivos de Navajazo a través de preguntas distintas.



Paredes: Lo que los relaciona es que ninguno de estos (los personajes) tienen ningún sentido de lo que es la moral o lo aceptable dentro de nuestra sociedad, algunos por que no tienen opción y otros porque así lo desean. ¿Podría ser ese el objetivo de Silva? Tal vez, aunque no veo cual es exactamente el crimen moral que comete Amador Granados (actor de videohomes), El Muerto (gothrovador ambulante) u otro muchacho que quiere ser rapero.

Ruelas: Creo que por debajo de la crudeza que Silva nos muestra hay un curioso sentido del humor que me hace plantear otra teoría: tal vez el director emplea sus imágenes, no como un fin por sí mismo, sino como medio para crear una sátira feroz de… ¿de qué? ¿De la sociedad Tijuanense? ¿De nuestra indiferencia hacia lo que pasa en nuestro alrededor? O como dice el músico callejero El Muerto ¿de la hipocresía que nos invade?

Preguntarse cuál es el punto parece ser el punto. Reitero en la parte donde Silva nos obliga a ser emocionales. Usualmente arrojamos los adjetivos «amar» u «odiar» a una película muy a la ligera pero parece ser que Navajazo nos forza una postura sincera. El simple uso del adverbio "tal vez" en ambas opiniones implica una dubitación dentro de cada escritor sobre cuales debieran sus verdaderos sentimientos hacia la película.

Lo interesante es que el resto de los textos, que pueden leer en su totalidad aquí y acá, no son nada más que los verdaderos sentimientos de cada critico. Así como son claros, son confusos, así como son apreciativos también insinúan rechazo. Casi como evaluamos a la vida real.


Silva dirigiendo al pornógrafo

Hablando de realidades, José resalta un punto que vale la pena comentar, antes de proseguir llenando al lector de preguntas:

Paredes: Silva es un cineasta que siempre mezcla la realidad con la ficción. Sus proyectos parecen ser documentales pero en realidad están actuando[...] ¿Qué parte es ficción y que parte es documental? Nosotros reaccionamos ante lo que vemos en la pantalla, y no es importante que sea verdad o no, sino qué es lo que se captó frente a la cámara.

Después, hace referencia específica a una secuencia donde una mujer le empieza a succionar la pija a un junkie:

Paredes: Mientras lo hace (el sexo oral) le está dando la espalda a la cámara, en eso el camarógrafo (supongo que es Silva) la interrumpe y le dice que se mueva de tal forma que podamos captarla claramente mientras hace lo que hace.

Y si, esa escena, junto a muchas otras, dan la impresión de estar montadas. Uno que ha podido hablar con Ricardo conoce las verdades sobre algunas de ellas pero confesar las haría sonar como spoilers. ¿Y que son los spoilers sino grandes revelaciones y tradiciones del cinema? en todo caso ¿Que es el cinema si no un cúmulo de mentiras montadas como una verdad atractiva?

De mi texto sobre The Hobbit les copy-pasteo el siguiente comentario: Hay algo extraño, algo que de inmediato no encaja[...]Nos educaron a diferenciar entre la ficción y la realidad pero nunca a confundirnos cuando una cosa se parece a la otra. Algunos dicen que las escenas (de la película El Hobbit) se ven filmadas en sets, como las telenovelas, y eso es porque las escenas fueron filmadas en sets. Lo que ocurre en las movies es falso pero solo es tan falso en la medida que alguien tuvo que realizarlo para registrarlo. La perpetuación de la mentira. Yo no cuento eso como un error. Somos fantasmas flotando en mundos que no pertenecemos. ¿No será tanto que parecen escenarios sino que la parte lógica de nuestro cerebro esta recordándonos que el mundo de fábulas no existe? ¿Qué va a pasar cuando veamos una película en HFR grabada en una oficina? ¿Será la oficina un set o una oficina de verdad?



Quiero cerrar con dos comentarios que considero definitivos para "entender" la confusión que Silva nos crea:

Ruelas: Sin duda, puede encontrarse una cierta relación causal entre los eventos, pero yo prefiero tomarla como una ráfaga de estímulos viscerales realizados con una estética cruda cuyos alcances apenas llego a comprender, pero que considero fascinantes.

Paredes: Cómo pueden darse cuenta lo único que he hecho es describir escenas y hacer preguntas que tengo, no como cineasta o cinéfilo, sino como un simple espectador al que no le queda claro cómo fue que se logró captar lo que se captó en pantalla.

Incluso un personaje anónimo en la sección de comentarios del blog de Paredes en modo de troll escribe: Es una farsa transparente creada específicamente para este tipo de reacciones.

Pareciera natural que si existen movies destinadas a darnos todas las respuestas, debe haber artistas destinados a darnos ninguna. O quizá nos están dando la mejor respuesta de todas: Depende de cada uno de nosotros. Pueden ser herramientas de eterno análisis o mera pretensión festivalera. Emitir juicios sobre las cosas, para bien o para mal, usualmente habla más sobre los deseos y frustraciones del juez que de las acciones del juzgado.

Las cosas son lo que son.


Ricardo con un kitty cat
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La gravedad de la moraleja

November 22, 2013, 11:47 am
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Las geniales películas no son buenas por que las comparamos contra las malas. Eso sería hasta injusto. Las geniales películas son buenas porque incluso al compararlas contra las buenas, resultan ser mucho mejores.

En un viejo y ya extinto blog mío (he estado paulatinamente recuperando algunas entradas hacia este espacio), un diciembre del año 2009, arrojé el siguiente comentario: James Cameron (con Avatar) creó un espectáculo visual como nunca. Ningún halago le hará justicia a una experiencia cinematográfica que me gustaría comparar con lo que seguramente fue El Viaje a la Luna de George Melies hace más de 100 años. Si bien el cine ya no es un medio tan relativamente nuevo, y a pesar de las incontables historias que se cuentan en él, raras son las películas como ésta, que empujan las barreras tecnológicas (el cine detrás de todo es tecnología, por si no sabían) y más importante, delimitan lo que vendrá.

A casi 4 años de ese párrafo, me da gusto saber que algunas de mis opiniones sobre el cinema han cambiado y otras no tanto. Lo primero que aprendí es a no arrojar declaraciones sobre las cosas como si fueran contenibles y finitas. En la otra mano, cuando escribí ese "delimitan lo que vendrá" antes del punto final, se sentaba uno como cinéfilo, impaciente, preguntándose cuando, o como, "lo que vendrá" iba a llegar.

Ya defendí un poco al Hobbit de Peter Jackson en un post por acá pero ni 10 minutos de esa movie nos preparan para la Gravedad de Alfonso Cuarón. Avatar y The Hobbit son filmes de fantasía ante todo, años en el futuro o años en el pasado. Los tropos del héroe que debe imponerse ante el mal y salvar, o perecer en el intento, la prosperidad de toda una tierra. Bastante común y aceptable convención de la narrativa en el cine. Arrastran traseros a los teatros y nunca se nos debe olvidar esa es la sola intención de un producto comercial. Cameron y Jackson, definidores del blockbuster en los noventas y early noughts, respectivamente, serán recordados no tanto por sus contenidos, sino por su interés en como contar las historias. Prestando igual, si no más, atención a la envoltura sobre el regalo.

Hay teorías que sugieren que los géneros del cine son non-existentes y básicamente todos son dramas. El mismo conflicto humano de superar una o varias circunstancias en contra y que todas las movies en la historia son la misma idea re-empaquetada. Será verdad lo anterior o no, lo dejo a los sentimientos de cada quien sobre el arte, pero lo que hace interesantes a Cameron y Jackson es su aproximación primordialmente tecnológica. Aquí viene una tercera.



Gravity no es una movie que trata de enmascarar un plot básico con mucha historia. Lo que le da un espectro gigante es que se desarrolla en el espacio, y para el 99.9% de la humanidad que no hemos podido estar allá, se siente como una odisea fuera de nuestro alcance. Apela al miedo de lo que nunca vamos a entender y se suma a lo que gradualmente se revela como una serie traumas personales. Estar perdido en el espacio es una situación de gravedad. I hate space, diría Sandra Bullock.

Es difícil de percibir si no prestamos atención desde el primer cuadro, pero el horror de Gravity no es simplemente el cuento que se nos está contando, es la tecnología. Como dije arriba: la envoltura del regalo. De pronto estamos flotando en la obscuridad cuando nunca pedimos estar ahí. Es "el viaje a la luna", all over again.

The GreymeetsLife of Pi sería una manera inmediata de definirla. Horror de supervivencia en un ambiente hostil y la búsqueda de una fuerza exterior que quizá está adentro de nosotros desde el principio.

Tengo que hablar del final de Gravity, que tal vez sea el punto de quiebra para muchos, o en mi caso, la última razón por la que la amo. Entonces pues, SPOILERS a continuación:

Hay un momento ridículo a la mitad del film (como si hablar de una movie de fantasía espacial por sí solo no lo fuera) donde la doctora que interpreta Bullock finalmente se pone a salvo en el interior de un satélite ruso. Eso está bien. De pronto, hay una alerta de incendio dentro de la capsula. La doctora trata de apagarlo con un extintor pero se le va de las manos. El fuego crece. Se expande. Inmediatamente, lo que pretendía ser un aventura "realista" se convierte en el tropo de acción #427: Salvarse a último segundo del peligro que nos persigue. Así sea un Tyrannosaurus rex, una piedra rodante gigante, o en este caso, una bola de llamas.

Ahí es cuando la película nos está tratando de reiterar, por si se nos había olvidado: esto es Hollywood bro, chill. Toleraste la ridiculez de Inception y los sueños dentro del sueño, acompáñame en este episodio interplanetario.

Hacía referencia a Life of Pi arriba porque, lo que superficialmente se trata de salvar el cuerpo realmente es una escusa para contarnos por qué es necesario salvar el alma. El espíritu. Lo de adentro pues. Nosotros crecemos, "maduramos" y nos volvemos mas fríos, cínicos e insensibles ante las moralejas. Alfonso Cuarón (y Ang Lee en todo caso) vienen de una generación donde no había internet y a los niños se les contaban cuentos con moraleja. Si el héroe no aprende nada al final y cambia su forma de ser, entonces toda la aventura que le precedió no sirve para nada.

Es importante que Sandra Bullock sobreviva al final de Gravity, con ese score motivador y estridente, en una secuencia tensa y exagerada. Se ha transformado. Ya la vimos reír, aunque sea un poco, definitivamente la vimos llorar. Sufrir. Derrotarse. A punto del suicidio.

Pero regresa.

Ya hemos tolerado mucha mierda como para rendirse sin intentarlo.

Es filosofía comercial de la cultura pop moderna. Me parece más pedante sugerir que una película que solo han visto 6 personas toca el mismo punto y lo hace mejor, que un espectáculo popular al que puede acceder un montón de gente. Que mujeres puedan arrojar argumentos sobre lecturas feministas, o economistas encuentren sospechoso que sea una nave china la que salva a los americanos. El cine pues, son las fabulas de nuestra era. Los cuentos que se registran en videos para contarse de generación a generación.

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Mis TOP 20 movies favoritas del 2013

January 3, 2014, 12:04 pm
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Siempre los listados están sujetos a dos cosas: Primero, a las movies que vemos vs. las que no, independientemente de su popularidad. Tratamos de ir al cine lo mas que se pueda o navegar por el piratebay, pero a veces hay películas que todo mundo vio y lamentablemente, por razones X o Y, se deslizaron debajo del radar. No vamos a mentir tampoco. Esto está sacado de una piscina de lo que vimos estrenado en el 2013 (aunque algunas sean del twenty-twelve).

La segunda, y el disclaimer que siempre hago, se tratan de MIS favoritas. Este año vi más de 50 movies en teatros, probablemente otras 50 en mi ordenador y de todo ese licuado de información, estas son las 20 definitivas que me quitaron el sueño. Que me dejaron pensando más de un día sobre cosas mías o cosas del cine en general. Sobre el pasado, el presente o el futuro. Sobre situaciones muy personales o eventos de la cultura popular.

Una lista no se trata de alguien imponiéndose a otro, sino una posible guía de cosas para ver.

Comenzamos:



20.- BEAUTIFUL CREATURES (Dir. Richard LaGravenese)

Hay muchas movies que son víctimas del síndrome post-Twilight, para bien o para mal. Es decir, personas (por no decir mujeres) que corren al cine a verlas para llenar un vacío emocional u otro tipo de personas (por no decir hombres) que las repelen como gato arrojado al agua. Beautiful Creatures apareció en mi Netflix un día y decidí picarle play. I regret nothing. Por algo está en #20. No es lo mas chingón del año, pero de lo cursi, es de lo mejor.



19.- THE LORDS OF SALEM (Dir. Rob Zombie)

Rob Zombie es en mi opinión el mejor director de horror que trabaja en el mainstream hoy. Hasta soy fan de sus Halloweens, incluso la repudiada segunda parte. Se permite dejar sellos particulares y ofrecer un cine de género pop que ya no se hace. Este film en especial se trata de un mal viaje, una pesadilla psicotrónica cargada de visuales malditos y brujería desconcertante. Extrae lo mejor del cine exploitation setentero que sin cuestión ha forjado a Zombie y lo moderniza, lo demoniza, lo vuelve rocanrol.



18.- V/H/S 2 (Varios directores)

Ya que estamos con el cine macabro, en alguna ocasión comentaba que las antologías de horror vienen a ser las salvadoras del género en tiempos donde la mayoría de movies del mismo (especialmente las que salen en cines) se parecen. Los cortos entonces, en esta Edad del Internet, vienen a ser el showcase para creadores talentosos, perrones y propositivos. De empujar los límites de lo permisible, para ver cosas que jamás veríamos en otro lado. ¿No me creen? Les encargo los cortos Alien Abduction Slumber Party de Jason Eisener (Hobo with a Shotgun) y en especial, si no quieren dormir por una semana, Safe Haven de Gareth Evans (The Raid) y Timo Tjahjanto (The ABC's of Death).



17.- ELYSIUM (Dir. Neil Blomkamp)

Esta es una película particular porque detrás de la ficción o su naturaleza de opera espacial, se siente cercana a los conflictos que conocemos quienes vivimos en la frontera México-Americana. Muy pocas veces se utiliza el cine de fantasía, al menos al nivel del blockbuster actual, para denunciar una problemática social directa y el interés por el bien común encima de la búsqueda personal del héroe. Se me ocurre Oblivión de Joseph Kosinski por ejemplo, que también me gustó pero es una odisea más individual y no tanto de interés cultural. Advierto, ninguna película está obligada a serlo, pero se aprecia cuando lo hacen.



16.- BLANCANIEVES (Dir. Pablo Berger)

En lo único que se parece a The Artist es que se trata de un film mudo y en blanco y negro, por si pensaban que era una copia. Se enfoca mucho más en tropos de la cultura española que en intentar hacer comentarios sobre el cine mismo. Me pone mucho a pensar sobre las emociones humanas cuando una fabula, un (re)cuento de hadas universal, sin palabras y únicamente imágenes + banda sonora, pueden sacarte lagrimas o suspiros en pleno rápido y furioso siglo XXI.



15.- MANIAC (Dir. Franck Khalfoun)

Esta es una excepción en la lista por qué no se ha estrenado en cines mexicanos, salvo uno que otro festival. Testamento a que me gusto tanto como para dejarla fuera. Es la Drive de este año sin el coolnes y el hype para ponerla en primer sitio pero con esas ganas del cine europeo. Re-adaptada y producida por el mismo Alexandre Ajá. Toda contada desde el point of view de un asesino, un maniaco que colecciona cueros cabelludos femeninos. Sus ojos son nuestros ojos y nos sumergimos en un vibrante y tenso viaje (banda sonora chingona también) digno de cualquier vibra Enter The Void.



14.- CARRIE (Dir. Kimberly Peirce)

Habla mucho de los tiempos y la sociedad cuando una historia que se contó hace casi 40 años sigue siendo relevante (si no aún mas) hoy. La mezcla perfecta entre el drama adolescente y el horror. La dualidad permea una movie que se refleja en la moral de los personajes, entre decidir quién es la víctima y quién el victimario. La búsqueda de la identidad, la represión religiosa o el abuso escolar. Una niña necesitada de ayuda, que sin saber, tiene los poderes para ayudarse sola. Es de las pocas movies en la humanidad que conocer el spoiler final de antemano le beneficia más que perjudicarle.



13.- HANSEL & GRETEL: WITCH HUNTERS (Dir. Tommy Wirkola)

Sigue vivo el trend de adaptar folk stories, libros o personajes clásicos, esos que siempre se estrenan en enero, el mes menos interesante para el cine. Juanito y los frijoles mágicos, Blanca Nieves y el cazador. Por ahí viene otra de Frankenstein. La mejor del bonche sin duda es Hansel & Gretel porque sabe no tomarse en serio. Es una movie de acción barata que depende más del montaje que de los visuales generados por computador. Se parece más a las cosas suaves de los 80's con todo y un troll animatrónico que no le pide nada a las Tortugas Ninja.



12.- THE PLACE BEYOND THE PINES (Dir. Derek Cianfrance)

Esta es otra que pasó debajo del monitor de varios. Son como 3 películas en una, la siguiente más emocionante que la anterior. Una especie de Cloud Atlas cronológico y sin los elementos fantásticos claro. Se narra una historia entre el span de 2 generaciones y como las consecuencias de nuestras decisiones y/o acciones repercuten no solo en los que queremos ahora, si no en la descendencia de quienes vendrán. El gancho visual es Ryan Gosling en lo que parece una secuela espiritual de Drive, pero nos quedamos con el performance del genial Bradley Cooper.



11.- MOONRISE KINGDOM (Dir. Wes Anderson)

Parece más vieja pero realmente la vimos en cines locales apenas este abril del 2013. Soy fan de Anderson aunque estoy consciente que hace cosas para audiencias selectas, se puede decir que hasta sufre del síndrome Tim Burton. Para mi Life Aquatic es la movie mas bella del director pero creo que Moonrise Kingdom le dio una corrida por su dinero. El eterno drama del joven amor imposible. Romántica, incomoda y pop, quizá el cine de Wes Anderson ya no parezca tan novedoso, pero films como los de él tampoco se ven diario.



10.- STOKER (Dir. Park Chan-Wook)

No he visto el remake de Oldboy pero creo que la movie americana de Park para ver este año fue Stoker. Con un ritmo inquietante y una estructura no lineal, para los que estamos más acostumbrados a los melodramas occidentales se convierte en un choque narrativo interesante con la sensibilidad de oriente. Son los excesos de la novela americana dirigida con belleza, precisión y huevos. Cuando vemos a realizadores como Kim Jee-Woon y su Last Stand y nos preguntamos: ¿Donde quedó su esencia?. Aquí tenemos a un director que se la queda.



9.- DJANGO UNCHAINED (Dir. Quentin Tarantino)

Otra que técnicamente es del 2012 pero no se estreno en nuestro rancho hasta enero del trece. Cualquier otro año, con cualquier otra película, Tarantino hubiera aparecido más abajo en la lista pero Django no fue todo lo que esperaba y de QT siempre espero demasiado. Es Inglorious Basterds otra vez pero con vaqueros. O mejor dicho, Inglorious era already su western. Es la movie que realiza un director que ya tiene influencia, poder y caprichos. Pero, con todo lo dicho (igual que me pasa con Wes Anderson) es muy difícil que hagan una movie que no me fascine. Después de todo, amamos Inglorious Basterds¿qué no?



8.- SPRING BREAKERS (Dir. Harmony Korine)

Algunos textos online argumentan que si bien Spring Breakers no es la mejor movie del 2013, es la movie mas "2013" del año. La que captura el espíritu de los tiempos. El colapso de la cultura moderna. América y el capitalismo que se han apoderado de nuestros cerebros, convirtiéndonos maquinas de deseo sexual y la infinita persecución del dinero. O bien es puro exploitation. Una excusa cinemática para encuerar a la juventud Disney y exponer la eterna fabula del crimen que paga rápido y excelente. Lo que sea que Harmony Korine haya hecho, aplausos señor.



7.- END OF WATCH (Dir. David Ayer)

Créanlo o no, ésta la estoy guardando desde el año pasado. No la incluí en mi top del 2012 por que no se había estrenado acá y mucha gente no había escuchado de ella. Al final si apareció por un par de semanas. OMG. Qué buena película para morderse las uñas. En la vida real todos odiamos a los policías pero End of Watch los humaniza con todo y su prepotencia. Es esa astucia y sed imparable de salirse con la suya. Hasta aquellos que pretenden hacer el bien y detener a una red de narco más grande de lo que dos "hermanos" con cabezas calientes pueden controlar. Es una frenética historia de amor, amistad, pandillas, secuestros y un montón de violencia, todo narrado desde el realismo de una cámara en mano.



6.- PITCH PERFECT (Dir. Jason Moore)

Si hubo una movie que mas vi en repeat este año fue Pitch Perfect. Debí ponerla unas 10 veces seguidas. La proyecté en mi cumpleaños para compartirla con mi gente. Soy un sucker por el cine de competencias. De box (Here comes the Boom), de baile (Battle of the Year) y claro, de canto acapella. Es una especie de Bridesmaids, otra movie que hizo mi top del 2011, pero para el crowd mas joven. Así como Spring Breakers es un icono para las cosas cuestionables, Pitch Perfect podría serlo para la ñoñeria. Producida por la siempre genial Elizabeth Banks. Hands in, Barden Bellas!



5.- OZ, THE GREAT AND POWERFUL (Dir. Sam Raimi)

Ya escribí un libro sobre esta por acá pero, para recapitular, la película definitiva del 2013 que hizo sentir a los adultos como niños otra vez y nos dio insights mágicos al proceso de hacer cine (¿Que es el cinema sino ilusiones ópticas y entretenedores de carnaval?) sin duda fue Oz. Pueden leer mi texto completo sobre ella aquí.



4.- BEFORE MIDNIGHT (Dir. Richard Linklater)

Cuando salió Before Sunrise hace casi 20 años, parecía la película más improbable para engendrar una saga que, de entrada, con la pura premisa, suena a que un volumen basta y sobra. Chico conoce chica y el romance sobreviene. Linklater, Ethan Hawke y Julie Delpy han desarrollado a través de las décadas una serie que es tanto en partes iguales experimental como uno de los documentos más realistas sobre el amor entre dos humanos y lo que el mismo implica en el span de nuestras vidas. Sin el bullshit de la comedia romántica y las novelas de domingo. Emociona y duele (sobre todo esta tercera parte) por que no podemos dejar de identificarnos.



3.- PACIFIC RIM (Dir. Guillermo del Toro)

Otra que ya comente por acá. Si esta movie debe ser al menos valorada por algo es por arriesgarse. El concepto de "original" en el año 2013 es uno borroso y confuso pero lo podemos identificar en cuanto una película es 100% producto intelectual de su autor. Una que no se sintió sujeta ni comprometida a la maquinaria industrial de Hollywood y solo quería ser un paseo excitante, lleno de ficción, robots y monstruos. El sueño húmedo de los Transformers y cualquier otra mercancía explotativa de verano.



2.- THE HUNGER GAMES: CATCHING FIRE (Dir. Francis Lawrence)

Quería verla porque me gustó mucho la primera parte pero no esperaba que eventualmente rankearia tan arriba. Lo que tienen en común mis primeras 3 elecciones es que aunque apelan al sistema del blockbuster son obras muy personales. Hunger Games podría ser la más dudosa del trió por que nace de una novela para jóvenes adultos pero todavía hay partes de la película que no comprendo cómo se colaron a las salas. Tiene un aura contestataria y de rebelión que no vemos seguido en cinema comercial. Se desenvuelve como una novela (duh!), y aunque su duración es de 2 horas y media, no tiene un solo minuto desperdiciado. Jennifer Lawrence, quien ya he dicho antes tiene potencial para ser la mejor actriz de esta generación, nos encapsula en su experiencia. La odisea de gloria y dolor de ser Katniss Everdeen.



1.- GRAVITY (Dir. Alfonso Cuarón)

¿Que mas puedo decir de Gravedad que no se haya comentado ya? La película tecnológicamente más importante desde Avatar nos llegó este año del cerebro y pulso de Mr. Cuarón. Cuando elegimos nuestras películas favoritas usualmente es porque nos conectamos con la historia. Con los personajes. Con el estado de ánimo en el que nos encontramos. Hay una tonelada de factores que entran en juego al momento de experimentar el cine y decidir por que ciertas ideas nos gustan más que otras. Pero las historias son solo historias. Cuentos. Fabulas. Cada cierto tiempo llega alguien y nos muestra una nueva manera de narrar las cosas. El Viaje a la Luna de George Méliès como lo conocemos era algo que no podía contarse en texto ni en teatro. La atmósfera audiovisual del Dr. Caligari o Nosferatu. La tecnología vs. la humanidad en Metropolis.

La muy necesaria historia de fe y supervivencia que Gravity nos dio en el 2013.

A ver que nos aterriza en el 2014.

Menciones honorificas que quedaron fuera:
- This is The End (Dirs. Evan Goldberg, Seth Rogen)
- Movie 43 (Varios directores)
- Dracula 3D (Dir. Dario Argento)
- Jackass Presents: Bad Grandpa (Dir. Jeff Tremaine)
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Movies del 2013: Las nominadas al Oscar

January 18, 2014, 2:33 pm
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Hace dos semanas publicaba mis movies favoritas del 2013. Ahora les vengo con una especie de listado 1.5. Usualmente las películas nominadas a los Oscar se estrenan en cines mexicanos hasta los primeros meses del siguiente año, incluso muchas veces dependiendo de los resultados de las mismas en la premiación. Salvo Gravity, la movie que todo mundo vio en el otoño y hace unas semanas The Wolf of Wall Street, las demás siguen flotando en el próximamente.

Porque el destino es interesante, y abundan los screeners regados en PirateBay, es la primera vez que he visto mínimo el 80% de las nominadas a Best Picture del 2013. Y las he visto por que hubo un interés legitimo de mi parte. Hasta Saving Private... digo, Mr. Banks, que terminó fuera de la competencia (y qué bueno, no tiene personalidad) por que pensé haría un bonito comentario sobre la cura de explorar el cine dentro del cine.

Algunos opinan que los Oscares no tienen validez alguna, es una selección hecha por gangsters o mero entretenimiento. Tal vez. Que quizá no reflejan nada especial, pero ahí es donde difiero tantito. El problema no es la premiación como conjunto, sino los ganadores. La evaluación del arte es subjetiva y galardonar algo como mejor no necesariamente significa que lo sea. Si la gente se enoja o aplaude cuando triunfan sus quinielas es porque de alguna manera se siente la aprobación o el rechazo de nuestras opiniones. "¡Tenia razón! Es la mejor película del año. Soy todo un crítico de cine" o "¿Que gano quién? ¡Película tan mas culera!".

En el gran panorama de las cosas, lo importante, lo que se queda en la historia, son las selecciones. Lo que las mismas hablan sobre el estado del cinema actual o mainstream. La distancia entre los tópicos o las escalofriantes similitudes. Las cosas que son relevantes para una industria que sin duda las usa como punto de referencia para perpetuarse a sí misma. Que directores, guionistas, actores, etcétera consigan mas trabajos. ¿Cómo creen que se encuentra el buzón electrónico de Alfonso Cuarón en estos días?

Si algo mínimo, son un tema para conversar entre cinefilos y el espectador común, y la conversación amigos, esperemos sea algo que nunca sobre.

Aquí unos comentarios sobre las siete que vi.



LA PEOR DEL MONTÓN:

12 Years a Slave (Dir. Steve McQueen)

Hay que agradecer a Django Unchained por salir primero y taclear un tema importante, con una aproximación mas cinemática, y en comparación, sin tomarse tan en serio. Y no es que diga que un tema de esta índole (al menos para los gringos) no deba aproximarse con seriedad pero yo no me la compro. Es una pieza aburrida de explotación como alguna vez acusaron a Mel Gibson y su Pasión de Cristo. Lincoln de Spielberg estaba más emocionante, así se las dejo. Esclavo por Accidente (@joeytijuana dixit) es manipulación emocional de la que gusta, y posiblemente por ello continúe siendo el top choice para ganar todo.

¿Qué premio le daría yo? NINGUNO.



EMOCIONALMENTE CONFUNDIDO SOBRE:

Gravity (Dir. Alfonso Cuarón)

Ya he hablado mucho de Gravedad. La coloqué en primer lugar de mi lista por que la considero la obra más emocional y tecnológicamente significativa del año (y para mí eso es importante) pero debo admitir, no le daría un galardón que celebra al tradicionalismo.

¿Qué Oscar le daría yo? Mejor dirección a Cuarón claro, y arrasar en los rubros técnicos.



Y EL PREMIO WANNABE ARGO 2.0 ES PARA:

Captain Philips (Dir. Paul Greengrass)

Mas de acción que otra cosa, con todo y la tensión excesiva, últimamente me cuesta trabajo conectar con este tipo de movies cuando están basadas en hechos reales recientes. La primera mitad me pareció la mejor parte. La incertidumbre de una tripulación completa se convierte en un problema estresante, pero en la segunda mitad me fue difícil preocuparme por la vida o muerte del personaje que ESCRIBIO EL LIBRO en el cual el film está basado.

¿Qué Oscar le daría yo? Edición audiovisual: montaje y/o sonido.


ESCÁNDALOS AMERICANOS:

American Hustle (Dir. David O. Russell) y Dallas Buyers Club (Dir. Jean-Marc Vallée)

Ambas son similares en que cuentan la historia (verídica, una vez mas) de personajes puestos en las circunstancias ideales para estafar al sistema y hacerse ricos de sus irregularidades (la ultima de esta lista también comparte esa influencia).



A veces la cosa no está en el producto final, sino en las expectativas. De las nubes donde viene Russell esperaba mucho y American Hustle me pareció un intento de algo más no logra nada. La relación entre Christian Bale y Amy Adams es una cute, con posibilidad de estar a la altura de Lawrence y Cooper en Silver Linings Playbook pero Hustle se convierte en la historia de amor por el dinero y los engaños, no entre una pareja. La película de amor definitiva este año la comentare más adelante. Y ojo, no estoy diciendo que las movies tengan que ser cursilerías románticas para ser buenas, simplemente tienen que ser algo. Actores chingones interactuando nomas porque si una buena película no hacen.



En la otra mano tenemos a Dallas Buyers Club de la cual no sabía que esperar y terminó siendo una cosa cautivante. Dos palabras: Matthew McConaughey. Si alguien se merece el premio de Bad Motherfucker este año es McCounaghey. Entiendo es emocionalmente manipuladora también, pero los problemas que resalta no son únicamente sobre cómo hacer mucho dinero rápido, sino cuestiones de salud. Se ha hecho más popular que la película el gimmick de Matthew a forzarse a perder más de 20 kilos para el papel. Y considero ese es el objetivo. No siempre sabemos cuán importante es la salud hasta que la tenemos en riesgo. El film lidia con las mafias que administran las drogas y la negligencia médica. Podrá ser una construcción ficticia basada en una realidad, aún asi, es la movie de este año que en mi opinión logra chocarnos admirablemente con un tópico relevante.

¿Qué premios les daría yo? A Amy Adams por sus roles en Her y Man of Steel y a Jennifer Lawrence por The Hunger Games: Catching Fire.

Y definitivamente a Matthew McConaughey y Jared Leto por ser unos cabrones.



EL ROMANCE HIPSTER:

Her (Dir. Spike Jonze)

Jonze siempre tendrá un lugar suave en mi corazón por producir Jackass, el único programa y serie de películas dignas de considerarse patrimonio de la humanidad. De sus movies como director no soy muy fan. Her está bonita. Bonitos colores. Bonitas actuaciones. Bonita intención. Nos quiere preguntar un montón de cosas sobre el amor, y si el mismo está sujeto a cuerpos físicos o es posible tener relaciones emocionales con un fantasma intelectual. Es la nominada del bonche cuyo tema no aspira a mucho (o aspira al tema más filosóficamente importante, el amor) y lo que intenta, puedo decir está bien logrado: Ser la movie romántica que los hipsters van a citar de aquí hasta que nuestro Instagram piense.

¿Qué premio le daría yo? Diseño de producción y guión original.



EL LOBO DEL CINE:

The Wolf of Wall Street (Dir. Martin Scorsese)

Ya he expresado mi odio reciente a películas innecesariamente largas. En lo mismo que dura la nueva de Scorsese puedes quemarte dos volúmenes de Actividad Paranormal, las que sean, y sobran 10 minutos. Es más, ni La Desolación de Smaug dura tres horas cerradas. ¿Pero saben qué? The Wolf podría durar seis y no pasaría nada. Tiene un montón de energía. Un Scorsese de 71 años canalizando a su versión de treinta para retratar sus trips de cocaína. Es una de las mejores aventuras del anti-héroe moderno. Leonardo DiCaprio le da una corrida por su dinero a McCounaghey como protagonista. Podríamos estar de acuerdo o no con las posturas morales del Lobo, pero me resulta mucho más interesante referirlo a aquel famoso discurso de Tarantino en Kill Bill: Superman es Superman aunque se disfrace de Clark Kent. The Wolf of Wall Street nos enseña que somos lo que somos y lo vamos a cargar hasta la cripta. Tan pronto caigamos en términos con ello, más felices seremos, porque si no lo haces tú, ahí viene alguien detrás para hacerlo.

¿Qué premio le daría yo? Mejor película del año.

*Al momento de esta publicación no he visto Nebraska y ni en un millón de vidas vería una película titulada Philomena.
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Bad Grandpa no es tan malo

February 2, 2014, 2:57 am
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Este texto contiene spoilers, si es que acaso esta movie puede ser arruinada.

El momento más importante de Bad Grandpa, el más reciente brainchild de los genios en Dickhouse y Jackass, y que lo veiamos venir desde el trailer, es el concurso de belleza infantil que Johnny Knoxville (como el abuelo Irving) y su nieto Jackson Nicoll crashean cerca del final de la movie. Jackson (Billy) es un niño. El concurso es para niñas. Esas horribles competencias donde madres gordas y frustradas disparan maquillaje en los cachetes de sus hijas y las entrenan para actuar como prostitutas. Coquetearle a los jueces sin saber que 10 años más tarde esas sonrisas y maneras de andar responderán a consecuencias sociales mas sustanciales. Y no quiero sonar como una doñita espantada por qué no lo soy. Ni si quiera tengo hijos, me da igual hasta cierta extensión como cada quien decide educar a los suyos. Pero hay que amar la paradoja. Ellas son las mismas madres aterradas ante la presencia de un niño literalmente vestido, no solo como mujer, sino como stripper. Meneándose con gracia en un poste que sostiene orgullosamente a la bandera Norteamericana. Algunas cubren con horror sus ojos o los de sus hijos, expectando en shock, consternados desde las butacas ante semejante despliegue de inmoralidad.

¡Oh la humanidad!

Bad Grandpa (Abuelo Malo, traducción literal) realmente no es tan malo. Maldad como conjunto no es necesariamente el atributo que yo decidiría utilizar para clasificarlo. Toda la película se trata sobre un viejo que insiste en renunciar a la única familia que lo quiere, su nieto Billy. Su esposa recién murió, su hija es una drogadicta y su yerno parece vivir de una serie de negocios ilegales. Billy es algo que no quiere, ni cree necesitar a estas alturas de su vida. Está viejo y cansado (aunque sus acciones demuestren lo contrario, las explicare más adelante). Billy es una carga, al menos de principio, pero al final, decide aceptarla. Se vuelven amigos en el camino. Lo más importante, aprenden a quererse.

Bad Grandpa no es una historia de maldad, sino de transformación. De aprender a jugar con las cartas que se nos han entregado y disfrutarlo. Descubrir que cuando nos sentimos solos, a quien necesitábamos siempre estuvo a nuestro lado.



¿Por qué sería malo Irving?¿Acaso porque decide abandonar (o utilizar como peón, por lo contrario) a Billy en cualquier oportunidad de coquetear e intentar seducir mujeres en la calle? Se trata de un anciano de 86 años fatigado, más cerca de morir que de vivir, que utiliza como ventaja el deceso de su esposa para liberarse emocionalmente. Si no liga e intenta coger una última vez, quizá no pueda volver a tener esa experiencia fabulosa. La experiencia de la vida. ¿Qué hombre no puede empatizar con eso? No ocupamos irnos tan lejos, ¿cuántos hombres de 40 or less no quisieran dejar ya a su mujer por una colita veinteañera? ¿Es eso maldad o simplemente biología?

Y al final, ¿como explicamos que Irving fracase en cada intento, de los múltiples que hay a lo largo del film, para cumplir con su objetivo? Quedarse con Billy, de la manera que la película nos lo plantea al final, no es un acto de resignación. Legítimamente Irving se da cuenta que "ya está muy viejo para eso". Su quest por la nueva vida no vendrá con las experiencias que consiga (no a estas alturas) sino en preparar a su nieto para las suyas. A la edad de Billy todos necesitamos a esa figura paterna que nos guie. Que nos enseñe a pescar. Que nos prepare para explorar la sexualidad y los dilemas morales de la adolescencia, y quizá eventualmente, formar una propia familia. Para que Billy no se convierta, cuando llegue el momento, en un abuelo malo por sí mismo.



¿Quién es el malo entonces en una película que lleva el adjetivo en su titulo? Los cineastas, es una buena opción. Documentalistas que se empeñan en mostrarnos la complejidad de la existencia. Mostrar a gente común que no está dispuesta a romper las normas de su cotidianidad (o la legalidad) cuando se enfrentan a las circunstancias. Miedo a lo desconocido. A lo anormal. A lo extravagante. A las cosas que vistas desde otra perspectiva pueden ser tan naturales, y en el contexto indicado (como el de esta movie) hasta risibles. ¿Por qué debemos reímos de la miseria y el rechazo?

Entonces, ¿qué tal si los malos no son los cineastas, sino nosotros? Es más sencillo negar nuestras fallas cuando las topamos en el reflejo del espejo y el distanciamiento que nos ofrece una pantalla. El cinema experimental no solo es cosa de acudir a lo abstracto de la imagen, también está en la evocación de los sentimientos, lagrimas o risas. No es solamente la obra que en lo general se cataloga como aburrida y la aplauden solo unos cuantos pretensiosos intelectuales. El verdadero artista experimental del presente encuentra la manera de subvertir nuestras expectativas, forzarnos a evaluarnos y hacer una parada donde no estamos, o peor aún, no queríamos estar.

Ser bueno o malo, depende de cada quien.


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Movimientos de cine independiente

April 21, 2014, 1:06 am
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Una de las expresiones que más odio es aquella que sugiere mirar al pasado para poder prevenir el futuro. Evitar los mismos errores. Siempre excava en lo negativo y nunca nadie te invita a volver al pasado para resolver o encontrar respuestas positivas de lo que vendrá.

Otra frase que odio, que no es tanto en si una frase, sino dos palabras que más veces que siempre se arrojan en conjunto son: Movimiento e Independiente.

Y estoy seguro que ninguna de ellas nace con malas intenciones, al contrario (yo también falté a eso en mis tareas universitarias ). Me voy a poner pragmático solo por las intenciones del texto, que estoy casi seguro al final de éste todos zarparemos en el mismo barco sobre los movimientos y la independencia.

Los que me leen cuando se me antoja escribir saben que el 90% de mis desvaríos son sobre cine. Sobre lo que veo en otros y ahora, desde que abrí mi productora y decidí hacer una película, empiezo a preguntarme sobre lo que veo en mi. Sobre esta cosa que llaman movimiento.

Me pregunto si la palabra movimiento de entrada, ya sea antes o después de cine, consiste en pleonasmo por que el cine es movimiento. La cinemática, que es de donde viene la palabra cinematografía, es el estudio de la trayectoria en función del tiempo. A la cinemática no le preocupan las causas del movimiento ni las fuerzas que lo originan (eso lo hace la mecánica) sino, por ponerlo románticamente, ver las cosas suceder. Es una definición hermosa y perfecta por que, una movie es una movie, perdemos más en tratar de descifrar quien, donde o por qué se realizó que en ponernos a estudiar su movimiento en relación a nuestro tiempo. Lo que llamo la experiencia cinemática, pues.

Ahora, hablar de independencia siempre es muy vago porque para algo ser independiente, tiene que haber estado conectado en algún momento a otra cosa. O quizá no, pero de alguna manera u otra existe un vinculo etéreo. En términos políticos por ejemplo, es el "movimiento" de personas que quizá buscan una autonomía nacional. En el arte se vincula a tendencias de nichos específicos. Tendencias también conocidas como, vaya sorpresa, "movimientos". El cine que no está condicionado a otro.

Hay todo un argot establecido de las palabras movimiento e independiente en relación al cine, no me estoy haciendo el tonto. Para entender las cosas y su lugar en la historia es necesario ponerles un nombre, y los movimientos de cine y el cine independiente tienen definiciones concretas, pero, como dije arriba, este texto tiene intenciones pragmáticas de convertirse en una guía de lo que vendrá. Necesito que me sigan.


Entrar a producir una película, por más barata que sea, es costosa. De tiempo, recursos y dinero. Y de las tres, para bien o para mal, la única que se puede recuperar es el dinero. Eso es el capitalismo. Convertir las perdidas en inversión y las ganancias en beneficios.

Porque a estas alturas, habla un ciudadano mexicano en medio del 2014, el cine, como industria de manufactura creativa pertenece a una infraestructura establecida por gente que no somos nosotros (ahora me referiré a ti y a mí como nosotros) estamos sumergidos en un ciclo de producción que le beneficia a algunos y no a todos. Y no soy hippie. No estoy pidiendo que nos regalen cosas que no nos merecemos, sino propongo que vayamos a ganarlas por otro lado.

Exhibición A: Thomas Alva Edison era un cabrón. Si algo no existía él lo inventaba (o robaba, dicen) y registraba la patente. A la larga mejoró las condiciones de vida de la humanidad, pero ante todo, hizo lo posible por mejorar su cartera. Era un hombre aprovechando la extensión de su creatividad para hacer dinero con ella. Una de las tantas invenciones que estaban a su crédito era el kinetoscopio, primera versión de cámara para registro y proyección de cine, atrás en 1892.

No es necesario recordar en qué se convirtió ese pequeño fenómeno de hacer cine, pero por muchos años (entre 1894 a 1918) cualquier persona o compañía que quisiera hacer una película, indudablemente tenía que utilizar la tecnología de Edison, lo que significaba pagar una cuota a la Motion Picture Patents Company (a.k.a. el Edison Trust) e incluso aquellos que no, operaban bajo amenaza de litigación por violar la patente. Para hacer cine tenias que pasar por una sola y misma persona en Nueva Jersey, imaginen eso.

En algún momento de la historia los carteles de cine eran solo fuentes
Biograph, una de las compañías que si pertenecían a la MPPC, decidió en 1910 enviar a D.W. Griffith y un crew de actores a grabar un western por primera vez en la historia al mágico lugar donde ocurrieron las cosas: California (entonces todos operaban en Nueva Jersey o Nueva York). Por muchos factores, ya sea el clima, los paisajes o la lejanía de todo lo establecido, el lugar que se eligió para filmar fue un pueblo llamado Hollywood, quizá hayan escuchado hablar de él.

En una época sin internet, de alguna manera u otra las noticias de este maravilloso lugar llegaron a la east coast de Estados Unidos. En 1913, cansados del monopolio Edison de producción que imperaba, un grupo de rebeldes decidieron hacer un "movimiento" permanente al oeste. Inventaron sus propias cámaras y empezaron a trabajar "independiente" a las garras todopoderosas del Edison Trust. De costa a costa, y sin e-mails, para Nueva York era casi imposible tener control de lo que ocurría en California. Se establecieron pues en Hollywood unas pequeñas compañías que quizá hayan escuchado hablar de ellas: 20th Century Fox, Metro-Goldwyn-Mayer, Paramount Pictures, Warner Bros., y RKO Pictures.

Pues bueno, se habían fugado. Ahora estos independientes tenían que formar sus propios métodos de exhibición y distribución. Y les funcionó.

Para 1918 ya se había establecido la ley que cancelaba las patentes del Edison Trust (ahora ya todos podían hacer movies, según) pero ahora habría que pelear contra un nuevo monstruo: El studio system.

Las pequeñas compañías indies que pudieron, se convirtieron ahora en la estructura vertical que no permitía la entrada a nuevos productores. La historia repitiéndose otra vez.

En 1941 varios actores y productores como Mary Pickford, Charlie Chaplin, Orson Welles y Walt Disney establecieron la SIMPP (Society of Independent Motion Picture Producers) para destituir al oligopolio de los estudios. Para 1943 la Suprema Corte de EU ordena a Hollywood erradicar sus prácticas de control. Exit: La época de oro. Enter: La tercera venida de los independientes.

Y así sucesivamente y así...


¿Cuál es la moraleja de la historia?

Del 2011 para acá, es emocionante que se hacen cada vez más películas en Tijuana o en general Baja California. El año mas prolífico, según mis records (y mis records no son los oficiales) ha sido el 2013 con ocho estrenos: Yan She II, Suena, Pares y Nones, Navajazo, Basura, Apocalipsis Zombie Origenes, Regina, Levantamuertos.

El problema no es la producción, si pensamos en que los números solo van a incrementar, nunca retroceder, sino las posturas extremas que toman sus productores. O guardan su película para siempre en un cajón (o el hard drive) después de dos o tres exhibiciones gratuitas o están empujando demasiado por colarse al Edison Trust de la actualidad, que es la "industria" de cine mexicana. Ninguna de las dos son viables.

La moraleja es que no podemos hablar de movimientos e independencias si no hacemos nada por generarles.

Aprovechemos las ventajas de los tiempos:

a) No tenemos que inventar nuestras propias cámaras y equipos de video. Ya son lo suficientemente baratas para que las maquinas se ajusten a nuestros modelos de producción.

b) Hace cinco años se estableció la primer escuela de cine en la región, el año pasado la segunda. Fuera de los juicios y comentarios que se puedan originar, estamos hablando de generaciones con conocimientos profesionales que aunque sea en "papel" están aptos para gestionar proyectos cinematográficos.

c) Hay una nueva ola de empresarios jóvenes y pequeñas empresas con las facultades y recursos para invertir en producciones baratas. Usualmente hay miedo y desconfianza por que se plantean modelos astronómicos de producción, pero hay que pensar en estrategias de exhibición y distribución que beneficien a las dos partes (creativa y económica).

d) Finalmente, el internet, oh, internet. ¿Qué haríamos sin internet? El medio más barato, rápido y de largo alcance de nuestra era para difusión, publicidad, distribución y exhibición. Si el porno amateur ha logrado hacerse de larga vida online, ¿por qué nosotros no?

Les dejo este texto como comida para el pensamiento. Ya vendrán los postres.
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La importancia de la familia: Godzilla

May 16, 2014, 1:06 pm
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¡Cuidado! Posibles spoilers adelante:

GODZILLA (2014)

Quizás no de la familia en sí, pero del linaje. O el legado.

Hay un momento ligeramente triste cuando dos MUTOs, un macho y una hembra, lloran por la pérdida de su nido. Cientos de descendientes extintos por el avasallante poder del fuego. Una explosión. En el contexto de la movie, las criaturas no son una fuerza para empatizar con, pero no podemos dejar de sentir que se trata de animales. Como insectos gigantes. Viven para reproducirse y apoderarse de su entorno.

Godzilla no puede permitir que eso suceda, porque en cierta manera, el mundo es su propia descendencia. En un twist a la mitología original, Godzilla es una criatura antes del tiempo, que vive en el fondo del mar como protector del planeta. Es emocionante esa idea esotérica del elegido en forma de reptil, como un Neo para la Matrix, como el Jedi que traerá balance a la Fuerza.

Asumimos Godzilla habita solitario en el abismo (dejaremos que las secuelas nos respondan esto) existiendo como el rey sin casta. Tal vez una alegoría mas ad hoc seria el samurái sin amo. Un ronin. El cowboy de la naturaleza que viene a limpiar el pueblo de las pestes. No tiene nombre, lo llaman como un Dios, y como llega se desaparece.



Lo que da peso a estas ideas son dos padres humanos que complementan la película. En un span de 15 años, el primer papá sufre una pérdida terrible y en consecuencia también a su hijo. Los niños son importantes en el film por que muchos descubrimientos se hacen desde sus ojos. La primera destrucción de la planta nuclear (la cual tiene ecos sincrónicos durante su segunda destrucción, poniendo al hijo, 15 años después, presenciando lo mismo). La secuencia del subway en Hawaii, tiene en el centro a un niño. La primer aparición de Godzilla, es vislumbrada por una niña. En la evacuación del puente Golden Gate, la segunda aparición de Godzilla, se explora desde un autobús escolar, lleno de infantes en fuga.

El hijo original, ahora siendo un militar adulto, tiene la típica implacable misión gringa de proteger a su familia. Al resto de las familias. En una movie mas chafa, estaría haciéndolo solo por América. Sí y no. Por que mas allá de patriotismo simplón, lo que se trata de proteger siempre es el patrimonio. El linaje. Más allá de las fronteras, es la vida quien insiste en perseverar. Es el hijo quien prende fuego a las crías de los MUTOs. Es un acto igual de despiadado que permitir que los especímenes nacieran. Solo puede existir uno.

Godzilla entonces deja de ser únicamente el monstruo gigante y se convierte en un símbolo de la urgencia interna para sobrevivir. Porque hacemos lo que hacemos. Hay un momento emocional en el que Godzilla y el humano intercambian miradas. Uno reconoce al otro dentro de sí mismos. Tu eres yo y peleamos por lo mismo. El legado de la humanidad.



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La más civil de las batallas

June 17, 2014, 11:23 pm
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Voy a proponer una opinión menos cínica hacia el soccer por que parece ser lo único de lo que habla todo mundo en estos días.

La principal razón por la que no me gusta el fútbol es por la misma que el béisbol sí: Mi padre. Es algo que he estado pensando los últimos días. Recuerdo que desde niño iba a los partidos de los Padres con mi apá y es por él que aprendí a comprender/querer el deporte. Pudo haber sido cualquiera. Por ejemplo, mi padre también es San Diego Charger pero a mí el Americano jamás me ha entrado (exceptuando en las movies, estoy de acuerdo es uno de los sports más cinemáticos.) Y reflexionando sobre lo mismo, creo que mi papá nunca se metió en el soccer por que al parecer mi abuelo si era chutalero (no lo sé, nunca lo conocí, lo he escuchado en bits y piezas de conversación a través de los años) y posiblemente la rebeldía se brinca una generación en la familia.

El beis es interesante para mí. Es pasivo (algunos dirán aburrido, está bien), disfruto la estrategia ajedrez-like, el ritmo, la precisión, su naturaleza democrática basada en turnos, el glosario de modismos que se han colado al lenguaje para describir la vida. Cuando otra gente habla del fútbol con pasión desenfrenada no lo entiendo, de verdad, probablemente de la misma manera que cuando alguien me escucha hablar sobre baseball.

Y no es nomas sobre los deportes. Uno puede ser pasional con las películas. La cocina. Gadgets de tecnología. Zapatos. Estamos construidos, quiero creer, y no sé si en proporciones exactas, un 50% por lo que crecimos-con y el otro 50% por lo que vamos descubriendo en la vida.



Recuerdo que en la primaria y quizá la secundaria, había breaks y espacios para cascaritas de fútbol. Siempre me elegían de portero, no sé si porque era el más desinteresado, flojo o el único pendejo dispuesto a aventarse sobre duro asfalto. El USA 94 y el Francia 98 eran un big deal y ahí fue donde empecé a notar que la gente se volvía loca por el soccer. La media ya hablaba de #PonerseLaVerde y #SiSePuede cuando el hashtag era solo un signo de gato en los teléfonos y Nokias 5110.

A pesar de ello, nunca me metí en el soccer. Repito, yo estaba ya mucho más interesado en los cuadrangulares de Sammy Sosa y Mark McGwire, los ponches de Randy Johnson y Greg Maddux, los imparables de Tony Gwynn y la carrera por el World Series del noventa y ocho.

Cuando la educación deportiva dejó de ser obligatoria y dejaron de elegirme para cascarear, justifique mi pereza con un nuevo y descubierto interés conocido como las películas.

Probablemente la etapa más irritante de mi vida fue cuando me inicié en el cine de arte y empecé a condenar los deportes, sobre todo el fútbol, como entretenimiento de simios. La gran manipulación de las masas. El circo del pueblo para mirar hacia el otro lado de los problemas. Si bien eso tiene proporciones de verdad, no hay industria exenta de maquinaciones turbias. Solo hace falta ver las movies de Adam Sandler.

A los dieciocho que capacidad de análisis tiene uno y naturalmente queremos ir contracorriente. Caray, todavía existe gente en sus treinta o cuarenta que observan el deporte con desprecio como si fuese un villano a derrotar. Uno que impide a la cultura evolucionar hacia otro plano de existencia. Comunicarnos con telepatía y levantar las bolsas de Doritos con telequinesis.

No sabemos nada del mundo y solo queremos pertenecer. Hacer y compartir los mismos rituales que práctica el resto. Por algo los cinéfilos seguimos yendo al cine cuando podríamos ver (casi) todo en digital o Netflix. Es un templo. Nuestro templo. Cada quien tiene el suyo.

La Copa Mundial en especifico porque tenemos a un pequeño crew de seres humanos representando colores y países. Hay una razón para que los equipos, de cualquier deporte, estén vinculados a una liga o una ciudad. Es por la misma razón que existen los políticos, las sucursales o los comités vecinales: Necesitamos (en teoría, no estoy tan de acuerdo) a alguien que nos represente donde no estamos o podemos estar. Los Dodgers son de Los Ángeles. Los Cowboys son de Dallas. La Selección Mexicana es de México. Con el uniforme se cargan los sueños y aspiraciones de todo un grupo de habitantes: Demostrar vía la competencia que somos superiores al resto. Esa es una tradición que viene desde los ancestros. Desde los changos hasta los emperadores. La conquista y la guerra. En ese espectro, el deporte es la más civil de las batallas. A nadie se le corta la cabeza como los Aztecas. Se invade otra nación con permiso y acuerdos, no con explosivos y balas. Se determina mediante acciones calificables (no como el arte, donde todo es subjetivo) quien de las pandillas es la mejor de todas.



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Cantinflas: El Lobo de Mexico Street

September 21, 2014, 12:29 pm
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Posibles SPOILERS adelante, tanto se pueda spoilear una movie basada en hechos reales.

Cantinflas (Sebastián del Amo, 2014), la película, probablemente comete un solo error, pero no sé si sea tanto un error por encima de una decisión creativa: No profundizar en la mente y motivaciones de Mario Moreno como un ser humano.

Si tratase de un error es uno fácil de cometer ya que el humano esta largamente muerto (RIP 1993) y cualquier anécdota o historia que se cuente de él terminará siempre siendo una leyenda. Una declaración testimonial nunca será la verdad y, como decía el agente Fox Mulder, "la verdad está allá afuera".

Así que solo nos quedamos con el símbolo. Lo que Cantinflas representó para una época. Una comunidad. Un momento en la historia. El personaje que soñaba con ir de rags to riches y lo logró.

Hay un trend en la media moderna de empatizar con el hombre que aspira al imperio. Walter White y su imperio de meta. Jordan Belfort y su Wall Street alucinante. Si bien Moreno en la movie nunca externa su fantasía final, podemos deducir por sus múltiples esfuerzos, es un cuate con ambiciones. Boxeador, torero, comediante, all around showman. No estamos lidiando con alguien que pretende ser barrendero por siempre. Quiere más.

Cuando comienza a escalar su cima de éxito es inevitable pensar en las decisiones que toma uno cuando es joven e impulsivo. Contrae matrimonio con esta bella rubia rusa de ensueño que parece ser la pareja perfecta de un chavo idealista pero no está cortada para lidiar con la tijera del businessman ausente, coqueto y escandaloso. Ahí está el detalle.



La tradición novelera mexicana pretende hacer culpable a Moreno (y lo logra) pero ni él, ni su esposa son (tan) responsables de una relación decadente. Digamos que el hombre siempre tuvo un plan y ella no estaba en el trazo. Pero, a diferencia de los cuates que cité hace unos párrafos, Mario sabe corregir su camino, dignificando a la tradición nacional chafa del "me maltrata porque me quiere" metafórico.

Hay por ahí un Plot B (o A, depende por donde se le vea) de Mike Todd y los extranjeros que quieren producir La Vuelta al Mundo en 80 días (movie por la cual Cantinflas ganó el Golden Globe a mejor actor) pero no puedo profundizar en ello ya que eventualmente todo lo antes mencionado culmina en eso. Se que suena extraño. Por alguna misteriosa razón editorial la película está cortada entre pasado y presente, los 30's y 1955.

Quienes me conocen saben soy ignorante respecto al cine mexicano (les recomiendo a un camarada que tiene un background mucho más puntual sobre el tema) pero me resulta tan emocionante cuando salgo de ver movies como ésta, Tlátelolco: Verano del 68, Santos vs. La Tetona Mendoza, incluso el mismo Fantástico Mundo de Juan Orol (de Sebastián del Amo) y se hace poco a poco añicos esa niebla de negatividad que ha rodeado por años al cinema nacional. A veces a uno se le atrofia el cerebro cuando vamos a ver Transformers volumen 20,000 o reboots de Tortugas Ninja y se convierte importante, ya sea voluntario o simplemente condición cultural y/o económicamente circunstancial, un cinema mainstream que trata de hacer otra cosa.


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Jennifer Lawrence nude photos

August 31, 2014, 6:07 pm
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Siempre que se "escapan" fotografías de celebridades desnudas se convierte en un asunto del huevo o la gallina. ¿Es culpa de quien toma las fotos o quien las comparte? No habría nada que compartir si no se hubieran tomado desde un inicio, pero también, sobre todo en este día y era, cualquier captura digital está propensa a subirse a la nube y compartirse. En la generación Instagram es casi ingenuo no estar consciente de ello.

Es probable que sí consista en una invasión de la privacidad, pero eso ya atiende mas a cuestiones morales, legales o filosóficas. La tecnología para capturar imágenes no está sujeta a ninguna obligación. Es la misma generación Instagram quien nos ha acostumbrado a compartir todo. Nuestros paseos por el muelle, el lonche del medio día, clips de la tortuga. ¿Por qué un desnudo haría la diferencia? ¿Es nomas por el pudor social? ¿Las costumbres morales y culturales del tiempo?

Cuando se "gotean" los videos de decapitaciones en medio oriente o del narco mexicano, la opinión pública inmediatamente se parte por el centro como Moisés. Unos dicen que es inmoral compartir el contenido, cuando otros insisten que censurarse es perpetuar la injusticia. El mundo debe conocer lo bueno así como lo malo. ¿En qué momento un cuerpo desnudo entonces, debe o no pasar por la misma suerte?

Entiendo como puede ser una situación desagradable, sobre todo para los involucrados. No me imagino como reaccionaria yo si por alguna razón se filtraran todos mis Skypes sexuales que he tenido a lo largo de mi vida (aparte de sentir lástima por sus miserables ojos, claro) pero en un mundo morboso y sobre-sexualizado, es difícil no comprender por qué se vuelven virales estas cosas.

Seguimos siendo changos hasta cierta extensión. Changos que, en porcentajes, vivimos mas privados de la sexualidad (y la violencia, en todo caso) que si existiéramos en el natural salvaje. Usamos ropa para cubrir nuestra genitalia lo que indudablemente genera curiosidad por el conocido/desconocido. Incluso hablando de violencia, sacando cuentas, es mas la gente que no utiliza armas ni ha tenido que matar a otro humano para sobrevivir. Supongo a eso se le llama la civilidad y los remanentes del Renacimiento.

Jennifer Lawrence es una mujer muy bella, sin duda. Una de las brillantes celebridades a quienes, en nuestros tiempos, se les considera poquito menos que deidades. Las estrellas de cine son los nuevos Olímpicos. ¿No creen que los griegos fantaseaban con sus Ateneas, Artemisias y Perséfones? Probablemente sí, no es gratis que todas sus fabulas y narraciones usualmente están plagadas de sexo, engaños y aventuras.

No puedo determinar si está bien o mal. Si es correcto e incorrecto. No puedo negar que he permanecido como idiota mirando esas fotos porque, ¡Santo Cielo!, J. Law es una persona fascinante. Pero no es la primera vez que sucede, si hubiera una lección que aprenderse, ya se hubiera aprendido, ¿No creen? O simplemente tal vez, la dura lección es aceptar que la privacidad ya no es algo tan privado.

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Boyhood Birdman Tusk

December 20, 2014, 10:59 am
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Es esa época otra vez donde tus bloggers y vloggers favoritos empiezan a listar lo mejor del año solo para darte cuenta que no hemos visto ni la mitad. Zeus bendiga PirateBay (RIP) similares y re-spawns, screeners para consideración de la Academia y ripeos del famoso video on demand.

Más adelante les voy a hablar de Nightcrawler y Gone Girl (dos movies que sin duda se están disputando mi TOP 1) pero hoy quiero hablarles un poquito sobre eso que se conoce como "fondo y forma".

Boyhood de Richard Linklater, no sé si sorpresivamente o no (para mí la saga "Before..." basta para considerarlo un genio contemporáneo) ha estado colándose a gran parte de los listados. Y me parece importante porque creo es una movie a la que le cuelga mas el experimento. El cinema si es al final un experimento científico donde se pueden repetir formulas, para entregar resultados previamente conseguidos o bien posiblemente generar nuevos. Si a una cinta le pesa más la "forma" sobre el contenido es importante que la historia le dé su lugar, sobre todo en el tiempo y era donde uno asume que ya todo está tratado antes. Ver crecer a un chico casi en "tiempo real" por más de 10 años es sin duda un concepto emocionante.



En ese sentido, la pongo en el buró al ladito de Birdman de A.G. Iñarritu, una peli que nos adentra en la psicología del backstage teatral, narra la misma historia que ya nos han contado antes desde Mel Brooks con The Producers hasta Woody Allen en Bullets over Broadway, por dar unos ejemplos, y donde estamos de acuerdo no es el "fondo" sino la construcción audiovisual lo que ha conseguido gran porcentaje del reconocimiento. Las secuencias extendidas en una sola toma y el back and forward entre los actores.

Boyhood y Birdman son ejemplos de un cinema comercial (entiéndase "comercial" no necesariamente como blockbuster, sino como productos con al menos oferta en taquilla) cuya esencia se basa en la experimentación y que pueden ocupar lugares importantes en listados, posiblemente premiaciones y más importante, un spot asegurado en la historia del arte. Usemos de referencia las ganadoras del Oscar a mejor película en los últimos 20 años (por poner otro ejemplo, valga lo que valga) The Artist (Michel Hazanavicius) en 2011 es la única que considero comparte cualidades similares.

Entonces, ¿Por qué esta Tusk de Kevin Smith en el titulo? Simplemente para viajar hasta el otro lado del espectro. Es la idea del hombre-morsa uno de los mas ridículos jamás concebidos, se aplaude la valentía de ponerlo en pantalla pero puede uno argumentar que se trata de una película construida desde lo más básico (quienes conozcan el trabajo de Smith saben que casi casi coloca la cámara, que aparezcan los personajes a cuadro y dispara). La premisa psicotrónica se diluye mucho o poco, ustedes dirán, en un point-and-shoot promedio valiéndose únicamente de que el concepto nade solo. Es la roca que sabes tiene una pepita de oro escondida por algún lugar pero no encuentra su "forma."

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El mundo necesita Cincuenta Sombras de Grey

February 22, 2015, 3:03 am
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El único fracaso de Fifty Shades of Grey es que les da oportunidad a los intelectuales de veinte centavos (ni siquiera llegan a los 50) para creerse superior a los demás. Sexualmente.

Hay un merito, por muy brusco o tenue que sea, matices si se quiere (o, digamos, "sombras") en hacer una película mainstream (comercialmente al alcance de millones) que gire en torno a la sexualidad. A la exploración y la persecución de las fantasías. No como una historia con secuencias de sexo —eso lo hacen todas las películas— sino sexo con secuencias de historia. La opinión es ciertamente variable, y se puede argumentar este cine, literatura o cualquier avenida de ficción triunfa por que la mayoría de las personas, socialmente hablando, no se permite a si misma volver realidad sus deseos. No es de a gratis que las web porno prosperen. Su negocio está en la economía de la prohibición.

En su mayoría, la cultura valora una perpetua persecución de lo inalcanzable y la censura de la felicidad, o puesto de otro modo, la vida jamás recompensa a la desviación de los patrones, por más que se compruebe día con día que las historias de éxito usualmente las cuentan aquellos que pensaron "fuera de la caja". Para que The Wizard of Oz funcione, nos tiene que dar miedo considerar la posibilidad de que Dorothy se extravíe del camino amarillo.



Por otro lado, acusar a Fifty Shades de dócil o blanda significa estarse perdiendo el punto por completo, pues la movie prospera en lo que la mayoría de las relaciones de pareja no: la comunicación. Christian siempre es explícito con Anastasia en sus expectativas hacia ella y viceversa. En la película existe, literalmente, un contrato detallado de los intercambios que cada uno de sus participantes estará dispuesto a cumplir o ceder y uno podría atreverse a declarar que gran porcentaje de malentendidos que ocurren en la vida real surgen en torno a la ausencia de dichos contratos. Uno simplemente asume que el otro va a estar de acuerdo (o en contra) sin haber dejado claras las clausulas, poniendo al "amor" como solo negociador/intermediario/solucionador de problemas. Al final, en las relaciones que progresan al ultimate level a.k.a. matrimonio, ¿no termina siendo éste, en su manera más simplista y legal, una serie de firmas, prestamos y acuerdos? (Si duda, véase Gone Girl [Fincher, 2014] para más detalles).

La movie no es sobre perversiones, sado, bondage o todas las cosas superficiales que se le atribuyan. Esos son simplemente el dispositivo que los narradores utilizaron para contarla, así como pudo haber ocurrido en una nave espacial o un estadio de fútbol americano. El punto es dejar en claro y/o poner en común deseos, pensamientos y emociones. Siempre he considerado que el sexo es el instinto original, el sentido primitivo generador de vida y no entiendo cómo es que si no viene en el contexto de la comedia, la ciencia o la vergüenza, usualmente no es un tópico todavía más relevante en las discusiones.

Si ultimadamente Fifty Shades of Gray va a traer otras conversaciones importantes a la mesa, (o a la cama) ¿por qué habríamos de amordazarlas?

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El tiempo en que las movies dejaron de ser movies

July 27, 2015, 1:44 pm
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Texto para inaugurar la nueva versión de un viejo blog: El Kinofago.

Starry Eyes (2014)

Es fácil ir al cinema y juzgar movies de ciencia ficción recientes como Jupiter Acending de los hermanos Wachowski o Chappie de Neill Blomkamp. Son películas extrañas y deformes, pero, tanto como se pueda ser en esta era: originales.

Nuestro cerebro está siendo hackeado poco a poco gracias a The Avengers o Star Wars o todas las sagas y secuelas y precuelas. Universos expandidos y prolongados de aquí al 2030. Series de televisión que se han spawneado de dichos universos y viceversa. El impacto de la continuidad serial de Game of Thrones, Walking Dead y demás mitologías que se extienden a través de años para ser contadas.

No estoy criticando al formato porque a mí me gusta y si continúan perpetuándolo será porque le gusta a muchas personas más. Es cool ser weird ahora y el entretenimiento que alguna vez fue marginal, ahora es suficientemente popular para quedarse en el mainstream. Si en 1996 le hubieras dicho a alguien que leías comics o Lord of the Rings, dos de cada tres personas te hubiesen dado un punch en la cara. Ya no más.

Hubo un tiempo donde la gente iba al cine a ver buenas historias entregadas en un solo episodio. La serie de James Bond (que ya venía de los libros) o incluso los westerns de Sergio Leone (su Dollar Trilogy) si bien eran parte de un universo expandido, se puede argumentar cada entrada se mantiene por sí sola. El entretenimiento no se concebía como esta cosa donde la gente tenía que consumir mucho de todo, quizá porque no había otras opciones anyway. Ibas a las pictures o te quedabas con tu televisión de cuatro canales.

Mad Max: Fury Road (2015)

Fue con el cine de horror, o culpa de George Lucas y Sylvester Stallone maybe que las secuelas se convirtieron en algo schlocky pero redituable. Es la fabrica de la que está tejido el capitalismo. Las movies dejaron de ser movies por que dueños de teatros y productores solo querían (quieren) meter nalgas a las salas. El negocio cambia, más importante aún o tal vez como consecuencia de, la cultura también.

Dependemos más hoy que nunca de la independencia. En las vueltas de tuerca que ofrece la vida, si lo pueden creer, el entretenimiento de bajo presupuesto alguna vez fue un concepto peyorativo. Salvo Mad Max: Fury Road, obra maestra parida del genio y el mercantilismo, volteamos a It Follows de David Robert Mitchell para maravillarnos sobre lo que se puede hacer con 2 (millones de, según Wikipedia) dólares.

Y es que el cine siempre ha conducido por una carretera extraña. De todas las artes continua siendo la más compleja, la que requiere docenas, a veces cientos, de manos y mentes para cumplir una visión particular. Gente técnica complaciendo a gente creativa. En el modelo de negocio de las moving pictures tiene más sentido que el control esté en manos del ejecutivo de saco y corbata que del artista torturado y gris. Y aquellas veces, cito de nuevo la gloriosa Mad Max, cuando ese artista tiene el control total sobre su artesanía, podremos amar o no el resultado, hablamos siempre de materia subjetiva, no se puede negar que al menos el producto es resultado 99% del artesano.

El productor Roger Corman, en su documental/homenaje del 2011 Corman’s World, vía una entrevista de stock footage, asegura que el artista debe ser capaz de expresarse con poco dinero. Le resulta obsceno que las películas cuesten millones de dólares y el empresario debería encontrar mejores maneras de invertir su dinero. Cuando el entrevistador le pregunta ¿Como en qué? Corman contesta, con una integridad que le corta la voz de la garganta: ese dinero se podría utilizar para reconstruir sectores vulnerables de la sociedad.

Estarán de acuerdo o no con Corman, pero en un mundo donde nos han convencido el dinero es la única solución a los problemas, el arte, en especial las imágenes en movimiento, podrían ayudar también.

It Follows (2015)
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MODEL BY DAY (1993)

August 24, 2015, 1:51 am
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¿Cómo combate uno la fiebre de los superhéroes? ¿Se sucumbe ante la convertida en factoría de chorizos cinematográficos? ¿O volteamos hacia atrás por que el mañana no pinta más prometedor de cualquier manera?



1993, cuatro años después del revolucionario Batman de Tim Burton y a dos de que Famke Janssen comenzara a obtener su relativa notoriedad como femme fatale en el GoldenEye del 007 y Jean Grey con los X-Men, podemos encontrar Model By Day (Dir. Christian Duguay). Modelo por día, heroína por la noche. Basada en la historieta erótica de Kevin J. Taylor; adaptada para la movie por Jeph Loeb, conocido escritor y productor de varias propiedades de DC y Marvel tanto en el comic como en la pantalla.

La película empieza con un build-up fallido pues todos sabemos que Lex, la joven pelinegra que el director insiste en mostrarnos solamente su cuerpo y de espaldas, es la modelo Neerlandesa recién convertida en actriz (primer rol en las motion pictures) Famke Janssen. A la larga parece ser una decisión consciente, no solo explicaré la razón más adelante, sino porque una vez que la película decide revelar la profesión de la chica, es aquella de fashion model, posando para una sesión de fotos con temática Egipcia (¿o se suponía teníamos que creer era Egipto real?). Es cinema directo a video, pues. En otro lado del mundo, Jae (Traci Lind) es víctima de un crimen. Violentada, asaltada, despojada de un lujoso automóvil amarillo con placas que leen: XXX LEX.

La modelo abandona la sesión a medias para volar hacia Jae, su roomate, ahora internada en el hospital. Jae no solo tiene que enfrentar a Lex por haber perdido su coche (la matricula, ¿recuerdan?) sino con una belleza comprometida pues ahora, por alguna extraña razón, debe vestir un parche sobre el ojo derecho. Es una modelo también y los looks son su negocio.



El primer indicio del carácter de Lex comienza en esta escena así como en el par consiguiente. A ella no le interesa lo material, un carro más, un carro menos, su verdadero interés está en la amistad y seguridad de Jae, mientras le promete hará lo posible por restaurar todo correctamente. Antes, hace una visita a un par de personajes de su pasado en un dojo de karate: Master Chang, quien le recuerda el kung-fu no es una herramienta para utilizarse en vendettas personales y la instructora de artes marciales solo para mujeres, Shannon (interpretada por la homónima Shannon Tweed, reina de la erótica softcore noventera).

Lex es representada por un agencia de modelos que maneja Mercedes (Sean Young. Si, la misma de Dune y Blade Runner). A través de la agencia es que ha logrado hacer la portada de prestigiosas revistas de moda (se nota como solo copiaron y pegaron caratulas que Janssen había hecho en la vida real. Muy meta) Además, es la imagen del lápiz labial más caliente del momento "Prison". Así es como entendemos que Lex ante todo es y será "prisionera" de su apariencia. De los medios, productos y los hombres.



Bajo instrucciones de Mercedes, la chica debe trabajar una pasarela que originalmente estaba asignada para Jae, quien por las obvias razones de su incapacidad no podrá caminar. Lex renuente acepta. Antes de que la noche caiga, hace una visita a la estación local de policía para preguntar si alguien está investigando el caso de su roomie. Se trata del bien parecido Teniente Walker, solo para asegurarle que en una ciudad invadida de crimen, recuperar su automóvil, así como dar con los asaltantes, se trata de una tarea casi imposible. Es mejor abandonar la esperanza.

Pareciera que nadie toma a Lex en serio, ni les interesa el bienestar de Jae y de paso la justicia. Por la mente de la chica pasa la pregunta: ¿Debería tomar el asunto en mis propias manos?. Su maquillista personal, un chubby gay guy que viste camisetas hawaianas se prepara para disfrazarla. La pasarela requiere rostros cubiertos completamente por inexpresivas blancas mascaras. Él comenta, entre susurro e inadvertida inspiración: No puedo creer que tengan a la mujer más bella del mundo y quieran cubrirle la cara. Muy conveniente.

La movie nos ha estado empujando a creer que Lex ha sido orillada por las circunstancias para convertirse en una vengadora callejera. Toma ventaja de su acceso ilimitado a vestimentas y accesorios para enfundarse en un bikini entre bondage S&M, entre negro y azul, con destellos de purpura. Un casco protector y gafas oscuras.



Esa misma noche golpea las calles haciendo su primer aparición al mundo, salvando a inocentes de garras criminales. Videocámaras la captan. Generación YouTube mis bolas, desde 1993 un clip found footage se vuelve viral en los noticieros. Basándose únicamente en el diseño trasero del bikini, con tirantes cruzados que forman una "equis", el anfitrión de Fox 5 News y el NY Post deciden bautizarla Lady X, la vigilante de ensueño.

Y convenientemente para el plot, Teniente Walker es el único en figurar que la misteriosa chica podría ser Lex (la escena de la estación fue el giveaway).

Noche tras noche, mediante un montaje noventero, descubrimos que Lex se pasea por los callejones de la ciudad para erradicarla de maleantes. Abandona a sus amigas Shannon y Jae, en el cumpleaños de esta última (ya recuperada del hospital, aun con el ojo parchado) para patearle el culo al dueño de un club que hace unas horas las estaba acosando. Model By Day no se preocupa en mostrar a los hombres con matices; o son homosexuales del mundo de la moda o assholes misóginos que solo se quieren aventajar de Lex, sus amigas o cualquier chica guapa que se deje.

Es intencional, está en el titulo de la obra. El modelaje es la representación más evidente del ser humano convertido en cosa, epitome de la idealización para ofertar productos. Por eso cuando la peli sugiere "Modelo de día" no necesariamente está proponiendo que el objeto de deseo deba convertirse en "superhéroe de noche". Está tratando de decir que la otra mitad del tiempo, las personas pueden, o deben, vivir su verdadera identidad. Así me queda claro que lo intelectualiza Lex: El abandono de la "prisión". El lipstick (el maquillaje, la imagen) es su celda.



En la primer escena que Lex es convocada a la estación para ser interrogada, después de haber adoptado su alter-ego de Lady X, es también la primera vez en la movie, que la mujer intimida a los hombres. En una secuencia digna de Basic Instinct, tanto el Teniente Walker como sus compañeros sudan la gota gorda. Concluyen que hay pruebas insuficientes para conectar a ambos personajes. Walker aún así, permanece tenaz e incrédulo. La mujer ha estado avergonzando a todo el cuerpo de policía.

El Teniente sigue a escondidas a Lex, tratando de corroborar sus sospechas. ¿Es ella en realidad Lady X? Mediante un montaje intencionalmente sospechoso, solo descubre que la chica se dirige a una sesión de fotos en lencería a la Victoria's Secret. Tal vez no era lo que buscaba, pero no se apresura en abandonar el recinto tampoco. Escondiéndose tras unas vigas de metal, espía con sigilo a las modelos en calzones.

Cuando termina el espectáculo, tanto Walker como Lex utilizan el moméntum para invitarse en un date. Un ingenioso bait-and switch, contra lo que probablemente estábamos anticipando, terminan en un stand de hot dogs, la cena menos romántica y glamourosa en la historia. Se trasladan al apartamento de la chica para un make-out session. En los noticieros anuncian que Lady X ha estado atacando de nuevo. La secuencia de erotismo gratuito y mal logrado, abre las puertas al tercer acto de la movie: El Teniente finalmente comprueba que Lex no es la vigilante nocturna y a la inversa, ella se intriga por saber quién es la impostora. Ambos aproximaran la situación desde diferentes ángulos pero con el mismo objetivo: Descubrir la identidad de la nueva Lady X.



¿Recuerdan al dueño del club que Lex atacó hace ya rato? Pues resulta que el cuate tenía un asistente filipino, Johnny Lee. Y resulta también que tanto el dueño como el asistente, estaban involucrados en un ring de tráfico de la mafia rusa. Utilizar a la copy-cat es parte de un complot para atraer a Lady X y que caiga directo a una trampa. Lo hace.

Digna de cualquier buddy cop film y la tradición del superhéroe, Johnny Lee tiene un cambio de corazón y decide aliarse con Lady X, no solo para destruir al círculo de crimen, sino para ayudarle a revelar la identidad secreta de la usurpadora. La heroína y su recién acoplado sidekick se escabullen desatando una balacera, imitando a un John Woo de 5 pesos, en medio de un bizarro restaurant de comida china.



El combate de los gangsters los lleva al techo de un edificio, escenario por excelencia del cine de acción. Y es ahí también donde el dúo de Señoritas X tienen su enfrentamiento final de karate. La original vence para desenmascarar al clon. Es Shannon. Su vieja amiga.

Lo que podría parecer simple coincidencia en el plot, es una pieza más para corroborar el statement sexista. Todo se resume en una sola línea de dialogo que recita Shannon, justo antes de arrojarse al precipicio. No tiene escapatoria, o se entrega a Lady X o a la policia. Ambas situaciones terminan en la "prisión" de la que pretenden liberarse. Lex pregunta: ¿Por qué haces esto?. Su amiga contesta: Tu me inspiraste. Todas las mujeres somos Lady X. Tenemos que serlo.

Y se lanza a su muerte.

Varias patrullas y oficiales, incluido el Teniente Walker, se encuentran al pie del edificio. Observan el cadáver de Shannon y aseguran a los medios que el final de Lady X ha llegado para bien, de una vez por todas.

Al día siguiente, en el departamento de Lex, Jae encuentra el disfraz pensando que se trata de una lograda replica para Halloween. Se lo pone. Lex sonríe. Shannon tenía razón, Jae es Lady X. Todas son Lady X. Tienen que serlo.

—@brijandez
el kinofago

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